Мюзикл как жанр искусства. Отличие от водевиля и оперетты
Оперетту можно по праву считать предшественницей мюзикла. Она возникла в 19 веке в Европе, а в Америку пришла значительно позже.
Оба этих направления искусства имеют много схожих черт. Так, например, до начала 20-го века мюзикл называли «американской опереттой». После того, как в основу музыкальных произведений стали ложиться местные традиции и предпочтения, он стал самостоятельным жанром искусства. Оперетта воспринимается легким, комедийным жанром, в котором музыка – это существенная часть спектакля. В отличие от нее, в мюзикле главными являются диалоги, приближенная к эстрадной музыка, более сложное хореографическое и музыкальное оформление. Причем танцы – это неотъемлемая часть жанра.
Водевиль представляет собой комедийную пьесу с танцами и песенками-куплетами. Он более легкий в восприятии, менее затратный в плане производства и использования различных эффектов.
Наиболее известные мировые мюзиклы
Известные мировые произведения, такие как
«Моя прекрасная леди», «Кабаре», «Кошки», «Чикаго», «Эвита», «Отверженные», «Призрак оперы», «Мама миа»
не теряют своей актуальности, их до сих пор ставят на Бродвее и в Лондоне.
Самым легендарным произведением, занесенным в книгу рекордов Гиннесса как мюзикл-чемпион, является «Фантастикс». Он пользовался популярностью на протяжении 42 лет. За это время состоялось 17 162 представления.
Известнейшая постановка «Иисус Христос-суперзвезда», которая покоряла зрителей своей зрелищностью и трагизмом, ставилась по всему миру только на протяжении 33 лет (речь идет только об оригинальной постановке).
«Нотр-Дам де Пари»
- Жанр: драма, мелодрама, история
- Дата выхода: 1998
Мюзикл поставлен по мотивам романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери». Впервые он был показан в Париже 16 сентября 1998 года и попал в Книгу рекордов Гиннеса как имевший самый успешный первый год работы.
Сюжет
По сюжету юная девушка-цыганка по имени Эсмеральда своей красотой привлекает к себе внимание мужчин. Среди них — епископ Собора Парижской Богоматери Фролло, молодой красавец — капитан королевских стрелков Феб и уродливый звонарь Квазимодо, воспитанник Фролло
Эсмеральда без памяти влюбляется в самого красивого из них — Феба. Он не против воспользоваться этим, несмотря на то что у него есть невеста — Флер-де-Лис. Фролло же обуреваем ревностью и терзаем сомнениями — ведь он, как священник, не имеет права любить женщину. Квазимодо восхищается юной цыганкой, видя в ней ту недосягаемую неземную красоту, которая является полной его противоположностью.
ИСТОРИЧЕСКИЕ УСЛОВИЯ ФОРМИРОВАНИЯ ЖАНРА
Театральное искусство США до конца 19 в. развивалось сложно, по особому пути, практически не соотносящемуся с общеевропейским. Английские пуритане , составлявшие большинство переселенцев в молодую страну, привезли с собой крайне нетерпимое отношение к художественной культуре вообще, и к театральному искусству в особенности. Истоки этого можно проследить еще в 17 в., со времен английской буржуазной революции, когда в 1642 английский парламент специальным указом запретил все театральные представления. Однако Англия, несмотря на свое островное расположение, все же не могла развиваться изолированно от общих тенденций европейского Просвещения 18 в., поставившего театр на службу своей идеологии, а следовательно – уделявшего театральному искусству много внимания. США же, в силу своей удаленности от Европы, обладали куда большей возможностью сопротивления интеграции тенденций художественной культуры. Переселенцы-пуритане, последовательно проповедуя идеологию аскетизма, на протяжении двух столетий отводили театру роль «низкого» и социально неодобряемого вида человеческой деятельности, провозглашая средоточием духовной жизни интеллектуальное, но не художественное развитие. Это не могло уничтожить театр вовсе, но обусловило совершенно определенные формы его развития.
Существование в 19 в. американского театра вне официальной идеологии способствовало развитию его самых простых и грубоватых форм, рассчитанных на неискушенного и потому непритязательного зрителя. К тому же мигрирующие из Европы театральные труппы и отдельные актеры, как правило, были не самыми талантливыми и не самыми состоятельными людьми, не сумевшими добиться успеха на родине. Наибольшее распространение в то время получили бродячие труппы, состоящие из небольшого количества актеров. Малый состав трупп обусловливал их репертуар: набор разнородных, преимущественно комических, номеров, короткие скетчи, музыкальные или танцевальные сценки. Как любой бродячий театр, чье материальное благополучие напрямую связано с конкретными интересами зрителей, эти труппы были вынуждены осваивать «местную специфику», в том числе – негритянский фольклор. К середине 19 в. сформировались американские театральные жанры, представляющие, несмотря на заимствование своих названий из европейского театра, совершенно особую их разновидность. Все они имели общую направленность – развлекательную. Различия между этими жанрами были скорее формальными, нежели принципиальными.
ФИЛЬМ «ЗВЕЗДНАЯ НОЧЬ В КАМЕРГЕРСКОМ» (1997)
Новогодний мюзикл Григория Гурвича задуман в жанре капустника. Вместе с ведущим – харизматичным Александром Лазаревым-младшим и его тремя спутницами мы попадаем на капустник в МХТ (Московский Художественный театр времен Станиславского и Немировича-Данченко), а до этого – видим, как ломится в театр толпа поклонников, и как мягкий снег засыпает переулки и улицы в антураже начала 20го века. Номера из самых разных мировых мюзиклов и оперетт удачно вплетаются в сюжет. А Лазарев рассказывает истории об актерах, режиссерах, композиторах и уверяет, что абсолютно все они, даже звезда вестернов Юл Бриннер, были родом из России.
ФИЛЬМ «ЗВЕЗДНАЯ НОЧЬ В КАМЕРГЕРСКОМ» (1997)
Финал немного перекликается с финалом «Стиляг». Побывав в эмигрантском Париже и на Бродвее, мы снова возвращаемся в Камергерский – теперь уже современный, где в свете фонарей танцуют счастливые москвичи в праздничных модных нарядах. И кстати – в фильме звучит знаменитая песня Леонида Утесова «Дорогие мои москвичи». В фильме снимались Максим и Эммануил Виторганы, Юлия Рутберг, Михаил Светин, Вахтанг Кикабидзе, Олег Анофриев, Александр Лазарев-старший и Светлана Немоляева, а также артисты Театра Оперетты.
Гамильтон
«Гамильтон» на либретто, музыку и слова композитора Лина-Мануэля Миранды считается чуть ли не главным мюзиклом современности. В основе сюжета – жизнь и карьера одного из отцов-основателей США, знаменитого американского финансиста и политического деятеля времён войны за независимость в Северной Америке. После премьеры в 2015 году «Гамильтон» стал настоящим культурным феноменом. Музыкальное оформление спектакля сочетает в себе элементы рэпа, хип-хопа, R&B, соула, а также классических мелодий. Это создаёт уникальный звуковой ландшафт, который помогает передать энергию и динамику истории. Уникальность мюзикла «Гамильтон», ошеломительный кассовый успех и огромная любовь зрителей обеспечили ему рекордные 16 номинаций премии «Тони». Сейчас мюзикл можно увидеть в США, Великобритании и Германии, а в 2020 году вышла видеоверсия бродвейской постановки.
ИСТОКИ МЮЗИКЛА
Минстрел-шоу (от «менестрель» – средневековый певец, музыкант, декламатор). Первоначально минстрел-шоу представляли собой короткие комические сценки в исполнении белых актеров, загримированных под негров, пародирующих их быт, музыку и танцы. По окончанию Гражданской войны между Севером и Югом появились и негритянские труппы, продолжавшие традиции белых менестрелей. Погружение в негритянский фольклор, и особенно – в его музыкальную культуру, привело к зарождению в минстрел-шоу джаза (в частности, рег-тайма, как одной из его ранних форм). Представляется, что именно потому жанр сыграл особую роль в формировании музыкального и театрального искусства США. Пик популярности минстрел-шоу закончился к 1870-м.
Бурлеск , возникший в Европе как травестия, пародия на серьезные театральные представления, в США превратился в сборник разнообразных эстрадных номеров, основанных на двусмысленности и непристойности. К концу 19 в. в бурлеске начали появляться стриптизные номера, позже составлявшие его главную «изюминку».
Водевиль – в отличие от своей европейской версии, как правило, не имел общего сюжета и, скорее, приближался к варьете, к представлениям мюзик-холла, где различные музыкальные, танцевальные и цирковые номера следовали друг за другом в произвольном порядке. Разновидностью водевиля можно считать ревю, в котором номера соединялись некоей тематической линией.
Пожалуй, единственным музыкально-театральным жанром, сохраняющем в Америке свои европейские корни, была оперетта . В конце 19 в. наибольшей популярностью пользовались оперетты английских, французских и австрийских авторов.
В начале 20 в. произошло то, что без преувеличения можно считать революционным поворотом в развитии культуры Америки, а позже – и всего мира: формирование и становление джаза как нового родового понятия музыкального искусства. Джаз постепенно становился не просто музыкой, но и образом мышления, он проникал во все сферы художественной культуры, включая и театр. Постепенно осознаваемые в качестве самобытной национальной музыки, джазовые композиции приобретали все большую популярность. К началу 1940-х трудно было отыскать спектакль музыкально-комедийного жанра, не включающий в себя джазовых номеров. На их фоне тривиальность других сценок и скетчей выглядела все более пошлой. Качественный скачок музыкально-театральных представлений становился неизбежным. Именно джазовое мышление объединило все, не слишком отличающиеся друг от друга музыкально-зрелищные жанры на новых принципах, придав их легкому и поверхностному характеру неожиданную глубину. Изменение характера музыки неизбежно повлекло за собой и принципиальное изменение драматургической основы. Так, на пересечении, казалось бы, несоединимых художественных направлений возник мюзикл.
Музыка и драматургия как отражение основы мюзикла
Основными составляющими мюзикла являются в равной степени:
- слова,
- музыка,
- декорации,
- хореография.
Они дополняют, поясняют друг друга, придавая постановке динамичность. Музыкальная драматургия – важная часть действия, обобщающее средство, которое присутствует в спектакле от начала и до конца. Музыка сопровождает происходящее на сцене, следует за текстом, отражает смену настроений, радости и трагедии, выражает основную идею произведения. Все вместе это позволяет зрителю прочувствовать всю глубину драматургии произведения.
Драматургия музыкального представления заключается в отражении остро-социальных вопросов своего времени и их критической оценке. Это еще одна особенность развития жанра.
Призрак оперы (реж. Джоэл Шумахер, Великобритания, 2004)
Двенадцатая по счету экранизация готической новеллы Гастона Леру. Поющий призрак в маске терроризирует труппу оперного театра и учит вокалу сироту Кристину. Пожалуй, самым благодарным занятием для поклонников любого блокбастера является финансовый отчет: людям всегда интересно знать, кто и сколько просадил денег на то, чего в результате на экране не видно. Чтобы не томить читателя, сразу приведем некоторые сведения: в новом Призраке оперы на постройку здания театра Opera Populaire ушло 40 недель, было использовано 73 тонны железа, 15 тысяч литров краски, а доски, понадобившиеся для возведения строительных лесов, сложенные в длину, протянулись бы на 51 милю. Не забудьте про центнеры конфетти, килограммы грима, ярды тюля на платья и тысячи свечей для создания колорита. Ну, и про общую сумму: 40 миллионов американских денежных знаков.
К чести Джоэла Шумахера, снявшего двенадцатую по счету киноверсию новеллы Гастона Леру о душителе, который живет прямо в театре и опекает молодую певицу, в картине каждая секунда экранного времени красноречиво свидетельствует о приличных затратах. Однако в этом вполне традиционном для фильма-ревю излишестве режиссер, как никто до него, приблизился к самой сути того жанра, который дал жизнь готической истории французского автора, а затем и мюзиклу успешного британского маэстро жанра оперы. Редко когда пожалуй, только в Мулен Руже Бэза Лурманна глаз режиссера столь откровенно и беззастенчиво упивался самодовлеющей оперной роскошью, которой сюжет и музыка не указ. Визуальные образы фильма все эти бра, канделябры, рисованные задники, позолоченные кариатиды, розовые лепестки, чей душный запах, кажется, струится с экрана, создают свой параллельный сюжет, никак не связанный с рассказываемой историей, которая, честно говоря, захватывает не слишком, ведь вы ее и без Шумахера знали. Так что на искусственность и картинность Призраку оперы не попеняешь это все равно что обвинить вердиевскую Аиду в том, что в ней слишком много музыки.
Факты об истории музыкального театра
Самым первым музыкальным театральным представлением, которое состоялось в США, еще до того, как они стали страной, был английский мюзикл «Флора» в 1735 году. До 1752 года в Нью-Йорке не было значительных театральных представлений как формы развлечения.
Это было, когда британец по имени Уильям Халлам отправил группу из 12 актеров в американские колонии и основал театр в Вильямсбурге, штат Вирджиния. Среди пьес, поставленных этой труппой, были «Венецианский купец» и «Анатом».
Примерно в 1753 году эта труппа представила в США еще несколько номеров, одно из которых включало оперу-балладу под названием «Опера нищего». В последующие десятилетия в США росло количество театров и музыкальных театров, и к 1840-м гг. американский бизнесмен по имени П.Т. Барнум управлял собственным развлекательным комплексом в нижнем Манхэттен. В 1857 году мюзикл «Эльфы» был одним из первых самых продолжительных бродвейских мюзиклов, в котором было представлено около 50 представлений. В 1860 году этот рекорд был побит другим мюзиклом под названием «Семь сестер», в котором в Нью-Йорке было представлено около 253 представлений.
В 1890-х и начале 1900-х годов в бродвейских шоу были представлены сотни музыкальных комедий, в которых участвовали такие известные композиторы, как Джон МакНалли, Гас Эдвардс, Джордж Кохан и Джон Уолтер Браттон. Этот период мюзиклов продолжался до середины 1900-х годов и подарил миру множество всемирно известных мюзиклов, таких как «Оклахома», «Моя прекрасная леди», «Волосы», «Злая», «призрак оперы», и «Отверженные».
Еще одна тенденция, возникшая в 1900-х годах, заключалась в том, что крупные корпорации, такие как Disney Theatrical Productions, адаптировали несколько анимационных фильмов Диснея в мюзиклы. С тех пор такие фильмы, как «Красавица и чудовище», «Король Лев» и «Аида», были адаптированы в бродвейских мюзиклах. «Король Лев» — самый кассовый мюзикл за всю историю Бродвея.
Помимо Бродвея, который является сердцем музыкальных театральных сцен, существует множество внебродвейских, местных и региональных театров, которые ставят небольшие мюзиклы и драмы. Производство мюзикла на Бродвее чрезвычайно дорого, поэтому несколько будущих мюзиклов в последние годы фактически ставились в театрах за пределами Бродвея. Такие драмы, как «Дом веселья» и «Гамильтон», на самом деле были поставлены за пределами Бродвея, прежде чем они были запущены как бродвейское шоу.
Основные факты о Бродвее
Сегодня Бродвей известен во всем мире как сердце культуры исполнительского искусства Нью-Йорка. Бродвей — улица в Нью-Йорке, которая начинается в нижнем Манхэттене и проходит через весь Нью-Йорк.
Он расположен между 41-й и 54-й улицами от 6-й авеню до 9-й авеню. На Бродвее около 41 театра, но только четыре из них расположены на улице Бродвей. Эти театры являются одними из крупнейших и вмещают до 500 человек.
Другие бродвейские театры на самом деле расположены в театральном районе Нью-Йорка, который может вместить от 100 до 400 человек одновременно. Интересно, что театральный район Нью-Йорка был одной из первых улиц Нью-Йорка, которая была освещена уличными фонарями, состоящими из белых электрических лампочек. В связи с этим в 1890-х годах улица получила название «Великий белый путь». Первой музыкальной комедией, которая была представлена на Бродвее, была «Черный мошенник» в 1866 году.
С тех пор Бродвей стал домом для музыкальных театров. С 1890-х до начала 1900-х годов здесь были поставлены сотни музыкальных комедий. В этих мюзиклах были представлены песни, написанные Тимом Пэном Элли и Джорджем Коханом, которые создали совершенно отличный от стиля ранних произведений Гилберта и Салливана музыкальный стиль. Шоу, имевшее успех в Нью-Йорке, продолжилось исполнением мюзиклов по всей стране.
Период времени между 1943 и 1968 годами, особенно после выхода самого известного бродвейского мюзикла «Оклахома!», считается Золотым веком Бродвея. ‘Оклахома!’ был мюзиклом, который внес радикальные изменения в музыкальную сцену, имея очень связный сюжет и песни, которые развивали и улучшали сюжет, внедряя все аспекты музыкального театр. Это также была одна из первых драм, в которых использовалась художественная форма танца для дальнейшего развития сюжета, а не танцевальные номера для представления женщин в скудной одежде. Этот мюзикл получил Пулитцеровскую премию и в то время был объявлен «блокбастером», став самым популярным мюзиклом того времени, в котором было показано более 2000 представлений.
Специальные факты о мюзиклах
Мюзиклы, театральные представления и драмы ставились в ряде стран с древних времен. Мюзиклы берут свое начало в греческой, римской и даже восточной и индийской культурах.
Сегодня мюзикл можно посмотреть в огромных и известных местах, таких как нью-йоркский Бродвей или лондонский Вест-Энд. Помимо этого, можно также насладиться мюзиклами в небольших местных и региональных театрах, общественных театрах, периферийных театрах, вне Бродвея или национальные и международные туры, в которых время от времени ставятся мюзиклы и обычно представляют школьники и актеры-любители. Во многих странах, кроме США и Великобритании, есть живые и процветающие музыкальные театральные сцены, в том числе в странах континентальной Европы, Австралии, Азии и Латинской Америки.
Одной из главных особенностей мюзиклов является то, что они всегда представлены на местном языке или на языке большинства зрителей. Это позволяет каждому легко понять и насладиться мюзиклом, его сюжетом, а также песнями. Также известно, что мюзиклы, которые ставятся на Бродвее или в Вест-Энде, всегда на английском языке, даже если мюзикл адаптирован с иностранного языка.
Еще одна особенность мюзиклов — актеры, которые выступают в этих музыкальных шоу. Помимо актерского мастерства, эти исполнители должны обучаться пению и танцам, что требует много практики и тяжелой работы. Человека, одинаково талантливого и владеющего всеми этими тремя навыками, на музыкальной сцене часто называют «тройной угрозой».