Балет «раймонда»: содержание, интересные факты, видео, история

Элли Голдинг

«Lights» дебютировал на первой строчке в UK Alboms Chart, в Великобритании было распродано более 850 тысяч копий этого альбома.

В декабре 2010 года кавер Элли на песню Элтона Джона «Your song» достиг в Соединённом Королевстве второй строчки, а в апреле 2011-го 3 недели занимал первое место на iTunes.

Эту песню певица исполняла на приёме по случаю свадьбы принца Уильяма и Кейт Миддлтон в Букингемском дворце.

В марте 2011 года в США был выпущен сингл «Lights», который занял первое место в чарте Billboard Pop Songs, первое место в чарте Billboard On-Demand и второе место в Billboard Hot 100 почти через полтора года, выполнив одно из самых долгих в истории подъёмов на две верхние позиции чарта. Сингл, более года находившийся в Billboard Hot 100, стал трижды платиновым в Великобритании.

Сингл «Anything could happen» попал в первую пятёрку в Великобритании и в топ 20 в Австралии, Новой Зеландии и Ирландии. Halcyon дебютировал на втором месте в чарте альбомов Великобритании и занял девятую позицию в чарте Billboard 200.

Альбом так же попал в пятёрку лучших в Новой Зеландии, в топ 10 в Ирландии и Канады и первую двадцатку в Австралии.

Родилась в Херефорде (Англия) в семье Артура и Трейси Голдинг. Элли была второй из четверых детей (у певицы есть 2 сестры и брат). Её мать работала в супермаркете, а отец происходил из династии гробовщиков. Её родители развелись, когда певице было 5 лет, и её отчимом стал водитель грузовика.

Важно

В 9 лет она стала обучаться игре на кларнете, а в 14 лет начала учиться играть на гитаре, а в возрасте 15-и лет начала писать песни. Она получила образование в школе Леди Хокинс в Кингтоне и Hereford Sixth Form College.

Своё образование она продолжила в Кентском университете, где после победы на конкурсе вокалистов ей посоветовали взять академический отпуск, чтобы раскрыть свой талант.

Личная жизнь

В 2010 году Голдинг встречалась с диджеем BBC Radio 1 Грегом Джеймсом. Она также является близким другом Лисси, вместе с которой они часто выступают.

В 2012 году Элли заявила об отношениях с известным бростеп-музыкантом и продюсером Скриллексом. Отношения продлились недолго, так как активная концертная деятельность и проживание на разных континентах не позволяла им часто видеться.

Дискография

Дискография Элли ГолдингСтудийные альбомы

2010: Lights / Bright Lights

2009: An Introduction to Ellie Goulding
2010: iTunes Festival: London 2010
2010: Run Into the Light
2011: Ellie Goulding: Live at Amoeba San Francisco
2012: iTunes Festival: London 2012
2013: iTunes Festival: London 2013
2013: iTunes Session

Концертные туры

The Lights Tour (2010—2011)
The Halcyon Days Tour (2012—2014)

Описание картины Альбрехта Альтдорфера «Битва Александра Македонского с Дарием»

1529 г.

Грандиозное сражение изображено маслом на холсте не менее грандиозным художником. Для создания этого шедевра Альтдорферу понадобилось не так много времени, как можно предположить, глядя на картину.

Очень насыщенный сюжет, полнота и прорисовка множества деталей. Поистине великое творение.

Ведь не зря эта картина стала любимым произведением живописи для Наполеона Бонапарта и украшала стену его кабинета целых 15 лет.

Явно видно, как персы начинают отступление. Славная армия Александра Македонского, словно единая стена грозно надвигаются на врагов, заставляя тех испытывать ужас и отступать.

Великая победа изображена настолько красиво и живописно, что просто поражает воображение.

Очень примечательно, что большое место в картине уделяется прорисовке неба. Огромное, разделенное словно на две стороны цветом, оно изображается одновременно с солнцем и луной.

Словно автор противопоставляет друг другу свет и тьму, персов и русских. Солнце на небе показано восходящим, его лучи словно прорываются через мрак темного неба и дарят тепло и поддержку воюющим храбрецам.

Так как картина очень насыщенна по смысловому сюжету, это выражается и в цветах, использованных художником.

Преобладают насыщенные, сочные тона красного, зеленого, голубого, синего, желтого и различных оттенков коричневого цветов. Это делает картину еще более привлекательной, грандиозной и торжественной. Общее впечатление от пейзажа выражается в каком-то немом благоговении перед значительностью исторического события и перед силой и мощью изображенных персонажей.

(2 votes, average: 5,00

Сочинение-описание картины Мадонна Литта Леонардо да Винчи

Леонардо был из тех художников, кого прежде всего привлекала формальная сторона искусства.

Его часто называют экспериментатором, потому что он только тем и занимался, что искал способы передачи тех или иных вещей в живописи. Искал формы – формальные средства.

Например, его чрезвычайно интересовало, как передать на плоскости картины объем, трехмерность. Если б не его разработки, появилось бы 3D? Риторический вопрос.

Мадонна Литта, Леонардо

В Джоконде художник использовал прием сфумато, а в более ранней Мадонне Литта он пытался передать впечатление трехмерности благодаря особой позе, придаваемой изображенным фигурам.

Особой не потому, что особо вычурной или изогнутой – нет, поза, по его мысли, должна была быть исключительно, абсолютно естественной! Но при этом она должна была быть такой, чтобы через нее появлялся объем, оптическое впечатление объема.

Отсюда и количество рисунков с Мадонной и Младенцем – Леонардо искал наиболее выигрышную позу, исходя из гениальной гипотезы: положение тел Мадонны и Младенца должно быть вписано в пирамиду, угол которой выступает на зрителя.

Посмотрим на Мадонну Литта: мать и младенец нарисованы так, что образуют пирамидальную конструкцию. Голова Мадонны (ее геометрическая вершина) является вершиной пирамиды.

Левая грань образована линией, которую можно провести от лба (чистого и прекрасного!) Мадонны ко лбу младенца, и далее она продолжается складкой плаща, свисающего с правой руки. Правая грань пирамиды – линия шеи, плеча и линия плаща, немного срезающая угол и смягчающая жесткость конструкции.

Если провести линию от верхней точки головы Мадонны до правой коленки младенца, то это и будет выступающая грань пирамиды. Задача решена!

Хотя над головой Мадонны наверняка трудился сам Леонардо: полуулыбка, образованная туманным сфумато в уголке рта Мадонны, это ноу-хау, фирменный знак Мастера. А мясистый младенец принадлежит кисти Больтраффио, который так и остался тяжеловесным ломбардцем (как говорит А.

Бенуа), несмотря на годы обучения в мастерской утонченного флорентийца Леонардо.

И напоследок: Литта – это не имя Мадонны. Имя Мадонны – Мария. Литта – графское семейство из Милана, продавшее Эрмитажу «Мадонну с младенцем» кисти великого Леонардо да Винчи в 1865 году за 100 тысяч франков.

(+3 рейтинг картины, 3

Сочинение по картине да Винчи «Мадонна Лита»

Леонардо да Винчи «Мадонна с младенцем» (Мадонна Литта), 1490 — 1491г, холст, темпера. 42×33 см, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Картина исполнена, очевидно, в Милане, куда художник переехал в 1482 г. Она относится к числу произведений, появление которых ознаменовало новый этап в ренессансном искусстве — утверждение стиля Высокого Возрождения. Прекрасная женщина, кормящая младенца, предстает олицетворением материнской любви как величайшей человеческой ценности.

Композиция картины лаконична и уравновешенна. Фигуры Марии и младенца Христа моделированы тончайшей светотенью.

Женщина смотрит на ребенка нежно и задумчиво. Лицо Мадонны изображено в профиль, на губах нет улыбки, лишь в уголках притаился некий ее образ.

Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери. В левой руке ребенок держит щегла.

Яркая образность произведения раскрывается в мелких деталях, которые много рассказывают нам о матери и ребенке. Мы видим ребенка и мать в драматический момент отлучения от груди. На женщине красная сорочка с узкой горловиной.

В ней сделаны специальные разрезы, через которые удобно, не снимая платье, кормить младенца грудью. Оба разреза были аккуратно зашиты (то есть было принято решение отлучить ребенка от груди). Но правый разрез был торопливо разорван — верхние стежки и обрывок нити отчетливо виден.

Мать по настоянию ребенка, изменила свое решение и отложила этот нелегкий момент.

Картина поступила в 1865 г. из миланского собрания герцога Антонио Литта, с именем которого связано ее название. Подготовительный рисунок к эрмитажному полотну хранится в Лувре.

До поступления в Эрмитаж в 1865 году «Мадонна Литта» находилась в фамильной коллекции герцога Антуана Литта в Mилане, отсюда и происходит ее название. Сохранность картины была такой плохой, что ее сразу пришлось переложить с дерева на холст. Эта уникальная технология, которая позволила спасти полотно, была придумана эрмитажным столяром Сидоровым, за что он получил серебряную медаль.

Вокруг одного из прекраснейших живописных изображений Богоматери с Младенцем не утихают споры.

Доподлинно неизвестна и дата ее создания. Хотя картину принято относить к миланскому периоду жизни Да Винчи, но существуют и более поздние датировки, ко времени, когда Леонардо жил в Риме — на этот счет имеются свою гипотезы. Одну из них стоит рассказать.

Не так давно, точнее, в девяностые годы прошлого века, русский ученый и церковный археолог О. Г. Ульянов изучал фрески в катакомбах Святой Присциллы в Риме.

Это место известно из древних источников как «госпожа катакомб», потому что там захоронено 7 первых римских пап, в том числе священномученик папа Марцеллин и его преемник папа Марцелл.

По новейшим археологическим данным оно датируется II веком нашей эры.

Среди катакомбных фресок имеется изображение Девы Марии с Младенцем, являющееся, по всей видимости, древнейшим изображением Богоматери в мировой живописи. Русского ученого поразило ее совпадение с композицией «Мадонны Литта». Как у Леонардо, кормящийся Младенец оглядывается и смотрит на зрителя.

Катакомбы, случайно открытые в конце 15 века, стали излюбленным местом прогулок художников и мыслителей, живших в Риме. Леонардо приехал в Вечный город в 1513 году и прожил в нем три года.

Безусловно, он, интересующийся всем, тем более всем необычным, просто не мог не спуститься в катакомбы, где увидел древнюю фреску, которая настолько его впечатлила, что он повторил ее в своей картине. То есть создание «Мадонны Литта» следует отнести ко времени между 1513 и 1517 годами.

Впрочем, в этой гипотезе интересна не новая датировка, а сама возможность того духовного импульса, который передался от безвестного живописца II века к гению Возрождения.

Описание картины Мадонна Литта – Леонардо Да Винчи

Картину “Мадонна Литта” художник Леонардо да Винчи написал в начале 90-х годов 15-го столетия. Размер картины 42 x 33 см, дерево, темпера. В картине “Мадонне Литта” – в произведении итальянского живописца иного, более камерного характера нежели ранние работы, отчетливо выразились элементы нового искусства эпохи Высокого Возрождения.

https://www.youtube.com/watch?v=pE2NJWEur20

Общий замысел картины восходит, бесспорно, к самому мастеру, что подтверждается его собственноручным рисунком женской головы для головы мадонны, хранящимся в Лувре, и той особой красотой композиционного решения, которая в те годы была недоступна никому, кроме Леонардо да Винчи. Однако живописное исполнение картины менее совершенно. Это связано, по-видимому, с тем, что в работе над картиной принимал участие ученик Леонардо Амброджо де Предис.

Картина “Мадонна Литта” по своему типу напрашивается на сравнение с “Мадонной с цветком”, в сопоставлении с которой становится особенно наглядным решающий качественный скачок, который произошел в творчестве Леонардо да Винчи. Композиционное построение картины отличается поразительной четкостью и совершенством.

Достаточно обратить внимание на то, как красиво до предела обобщенный и в то же время живой силуэт фигуры мадонны сочетается с геометрически строгими очертаниями двух симметрично расположенных оконных проемов или как безошибочно точно, но в то же время естественно ее голова помещена в простенке между этими окнами. Мягкая лепка ее лица выигрывает от контрастного соседства с голубым небом, видимым в просвете окон

Чувство радости материнства в картине “Мадонна Литта” углубилось благодаря содержательности самого образа Марии – в нем нашел свое зрелое выражение тип леонардовской женской красоты.

Тонкому прекрасному лицу мадонны особую одухотворенность придают полузакрытые глаза и едва уловимая улыбка – кажется, что она улыбается своим грезам.

Картина “Мадонна Литта” написана художником не маслом, а темперой – ее лучшей сохранностью объясняется, вероятно, несколько более интенсивное, чем обычно у Леонардо, колористическое созвучие подбитого золотистой подкладкой синего плаща и насыщенно красного платья мадонны.

(2 votes, average: 5.00

Симфоническое творчество Шуберта. Симфоническое творчество Ф.Шуберта

Созданный Шубертом романтический симфонизм определился в основном в двух последних симфониях – 8-й, h-moll–ной, получившей название «Неоконченной», и 9-й, C-dur–ной. Они совершенно различны, противоположны друг другу. Эпическая 9-я проникнута чувством всепобеждающей радости бытия. «Неоконченная» воплотила тему обездоленности, трагической безысходности. Подобные настроения, отразившие судьбу целого поколения людей, до Шуберта еще не находили симфонической формы выражения. Созданная двумя годами раньше 9-й симфонии Бетховена (в 1822г), «Неоконченная» ознаменовала возникновение нового симфонического жанра – лирико-психологического . Одна из главных особенностей h-moll–ной симфонии касается ее цикла , состоящего всего из двух частей. Многие исследователи пытались проникнуть в «загадку» этого сочинения: действительно ли гениальная симфония осталась незавершенной? С одной стороны, нет сомнений, что симфония была задумана как 4-х частный цикл: ее первоначальный фортепианный эскиз содержал большой фрагмент 3 части – скерцо. Отсутствие тонального равновесия между частями (h-moll в I-й и E-dur во II-й) тоже является веским аргументом в пользу того, что симфония не мыслилась заранее как 2х-частная. С другой стороны – у Шуберта было достаточно времени при желании дописать симфонию: вслед за «Неоконченной» он создал большое количество произведений, в т.ч. 4х-частную 9-ю симфонию. Есть и другие доводы «за» и «против». Между тем, «Неоконченная» стала одной из самых репертуарных симфоний, абсолютно не вызывая впечатления недосказанности. Ее замысел в двух частях оказался полностью реализованным.

Картина маслом Битва Александра. Фрагмент, Альтдорфер Альбрехт

Каталог картин маслом Военные композиции

Смотреть другие работы художника: Максимальное заполнение Сохранить Отмена

Выберите шаблон

В сцене битвы преобладает панорамный альпийский пейзаж. Величественный вид подчеркивает значение только что начавшейся битвы, но не заостряет на ней внимания Альтдорфер был одним из первых художников, в картинах которого пейзаж стал самым важным элементом.

Слева от центра композиции изображен Александр Македонский в своей колеснице. Сверху свсшивается картуш с надписью, повествующей зрителю о победе Александра над Дарием. Сама же битва наполнена живыми, яркими деталями, мастерски написанными Альтдорфером.

В своем родном городе Peгенcбypгe он был почетным гражданином и популярным архитектором. Известно, что в 1511 году Альтдорфер совершил путешествие по Дунаю и австрийским Альпам, и красота этих мест несомненно упрочила его пристрастие к пейзажной живописи.

Он создал множество рисунков и гравюр, в том числе посвященных исключительно пейзажу. Купить картину или постер Альбрехта Альтдорфер «Битва Александра» Вы можете как на бумаге или холсте, так и маслом на холсте в исполнении художника.

Заказать репродукцию Альбрехта Альтдорфер «Битва Александра» можно в багетной раме и с паспарту или без оформления.

Специалисты нашей компании профессионально изготовят репродукцию картины «Битва Александра. Фрагмент». Размеры изображения от 20×23 см до 120×141 см, но допустимы и нестандартные размеры. Работа может быть оформлена различными вариантами багетов и паспарту, заказана со стеклом или оргстеклом.

Количество паспарту?

Толщина паспарту

1 1 см 2 см 3 см 4 см 5 см 6 см 7 см 8 см 9 см 10 см
2 1 см 2 см 3 см 4 см 5 см 6 см 7 см 8 см 9 см 10 см
3 1 см 2 см 3 см 4 см 5 см 6 см 7 см 8 см 9 см 10 см

Цвет и материал паспарту

Посмотреть спецификацию выбранных паспарту

Для выбранного размера паспарту недоступны

Мои подборки (0) Подборка 1
Недавно просмотренные (1)
Корзина

Итого: 0 р. оформить заказ поделиться удалить перенести выбрать все отменить все

Подождите пожалуйста…

Творчество Альбрехта Альтдорфера

Краткое описание жизни и творчества мастера эпохи ренессанса.

Биография и стиль

Альбрехт Альтдорфер (1480, Регенсбург – 1538, Регенсбург), предположительно сын живописца Ульриха Альтдорфера, выдающийся немецкий художник эпохи Возрождения. В 1505 в Регенсбурге получил право на жительство как «художник из Амберга». В 1519 стал членом Городского совета Регенсбурга, а в 1526 — городским архитектором. Много раз бывал в Вене.

На Альтдорфера оказало большое влияние творчество австрийских и итальянских художников, в особенности Альбрехта Дюрера. Продолжая и развивая их традиции, он стал главой дунайской школы живописи. Основное место в его творчестве занимают пейзажи.

Интерес к природе лежит в основе философского и художественного миросозерцания Альтдорфера. В ранний период творчества ставил перед собой художественную задачу гармоничного вписания человеческих фигур в природный ландшафт. Однако позднее отошел от этого принципа и стал основоположником жанра «чистого» пейзажа в немецкой живописи.

Несмотря на точность передачи всех деталей, его картины отличает обилие фантазии.

Основные произведения

Шабаш ведьм, 1506, Лувр, Париж;
Пейзаж с битвой святого Георгия, 1510, Старая пинакотека, Мюнхен;
Алтарь Страстей, 1515, Монастырь св. Флориана, Линц.

Отдых на пути в Египет, 1510. Дерево, масло.

Эту картину художник посвятил «от чистого сердца Деве Марии», что явствует из надписи на обороте. Композиция ее необычна. Произведение содержит ряд скрытых аллегорий.

Умиротворенная сцена отдыха контрастирует с горным пейзажем на дальнем плане катаны, символизирующим нелегкий путь Святого семейства.

Дунайский ландшафт с замком Верт у Регенсбурга, около 1520. Пергамент на дереве. Написанный Альтдорфером реально существующий ландшафт впервые приобретает самостоятельное значение, а не выступает в качестве заднего плана по отношению к человеческим фигурам.

Мученичество святого Флориана, 1518. Дерево, масло. Полотно входит в цикл из семи картин, изображающих сцены жизни святого Флориана.

Согласно легенде, родившийся в Австрии римский легионер был брошен в темницу за помощь гонимым христианам. После жестоких пыток его привязали, как это показано на картине, к мельничному жернову и утопили в Эннсе.

Эта в некотором смысле авангардистская картина представляет собой одну из крупнейших пространственных композиций Альтдорфера.

Битва Александра Македонского с Дарием, 1529. Дерево, масло. Это монументальное произведение поставило художника в ряд самых знаменитых живописцев Германии. Заказано баварским герцогом Вильгельмом Четвертым (1493–1556) и его супругой Якобеей.

Александр Великий преследует на закованном в латы коне побежденного персидского царя, который пытается бежать с поля битвы на колеснице. Победитель изображен в центре огромного войска. Клубящиеся облака подчеркивают динамику битвы и придают грандиозному событию еще больший драматизм.

Размытые контуры облаков и горных вершин помогают живописцу создать ландшафт вселенского масштаба.

Сочинение по картине Леонардо да Винчи. Мадонна Лита

Я помню, когда впервые увидела ее. Это было на уроке истории искусств, мы изучали эпоху Возрождения и наконец-то добрались до ее самого высокого расцвета. Учительница доставала репродукции, показывала нам и отдельно по каждой рассказывала какую-то историю. Я помню, что многие скучали, не смотря на такую увлекательную тему урока: «Леонардо да Винчи. Жизнь и творчество гения».

Нет, я расскажу не о его самой знаменитой картине. Меня гораздо больше поразила, вдохновила и разбудила его Мадонна Литта. И дело не только в том, что я художник, которого обязательно должны вдохновлять великие произведения. Нет, дело в том, какую глубину я увидела в картине и что я при этом почувствовала…

Я стояла перед ней в Эрмитаже. Это мгновение я не забуду никогда в своей жизни. Мое настоящее знакомство с ней длилось всего несколько минут, но осталось в сердце навсегда. Освещенная светом, она держит свое дитя на руках, и нет ничего прекраснее этого священного материнства. Я помню, как мы пришли в залл, наполненный людьми.

Леонардо да Винчи. Мадонна Лита.

А я стояла рядом с Ней, недалеко у окна, за шторой… стояла и беззвучно плакала. Никогда еще настолько сильно я не ощущала все величие и ничтожность нашего мира. Такой молчаливый и яркий контраст между Вечностью и Проходящим бесследно. То, что потоком проходит мимо, не глядя и не останавливаясь, и то, что остается в веках.

Хотелось закричать на весь зал, чтобы хоть кто-то обратил внимание на то, что именно было нарисовано на картине. Ведь на самом деле всех интересует только дата создания, ведь это же так круто — сфотографироваться с картиной, которой больше 500-та лет! И никто не попытался прочувствовать, понять ЕЕ, дотронуться до волшебства, которым пронизано все в Ней

А я смотрела на Нее и чувствовала свет, исходящий изнутри. Искусство должно радовать тех, кто к нему прикасается. Я знаю, есть мнение, что только через страдания рождается художник и творец. Но то произведение, которое он являет миру, должно нести в себе радость, покой и свет.

Я смотрела на нее и улыбалась. Ведь она смогла разбудить во мне способность видеть, слышать и чувствовать полной грудью. Способность останавливаться и наслаждаться мгновением вечности, прикасаясь к чему-то божественному. Прошло уже десять лет, а я до сих пор помню, как дрожала моя душа от нахлынувших чувств. Между мной и картиной свершилась магия.

Автор сочинения: sivanna

Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»

Categories: Автор — Алевтина_Князева. Это цитата этого сообщенияЛеонардо да Винчи «Мадонна Литта»

Сюжет картины Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»

Это распространенный богословский сюжет, посвященный Богоматери и Младенцу-Христу. Согласно раннехристианской традиции, художник показывал Марию целиком сосредоточенной на ребенке, тогда как взгляд маленького Иисуса был устремлен на зрителя. Так же композиционно решена и работа да Винчи «Мадонна Литта».

Дева Мария изображена на фоне двух окон в виде арок, из которых льется голубой прозрачный свет, усиливая темный фон за ее спиной. Спереди фигура Богоматери с младенцем освещена мягким светом, источник которого расположен как бы перед изображением. Мать любовно и бережно держит, обхватив, младенца. Мальчик нежно приник к ней.

Правой ручкой он обхватил материнскую грудь, а в левой — держит щегленка.

Символика полотна Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»

Она заложена и в сюжете, и в композиции картины. Одухотворенный взгляд Богоматери подчеркнуто сконцентрирован на сыне, поскольку для нее Он является центром Вселенной. Взор младенца размыкает закрытую композицию картины. Христос глядит на зрителей и словно бы говорит: «Я всегда с вами».

Такая символика присутствовала на раннехристианских фресках, найденных в римских катакомбах. Она очень впечатлила Леонардо да Винчи. «Мадонна Литта» стала результатом творческого осмысления этого символического обещания Христа человечеству, так же как и изображение процесса кормления. Бог воплотился в человека и вскормлен молоком матери.

Через это кормление Он принимает и человеческую душу. И здесь знаменательной деталью видится изображение щегленка. Историкам известен тот факт, что Леонардо нередко приходил на птичий рынок, покупал и отпускал в небо птиц. Художник считал, что птичья душа через кормление копирует душу человека.

Фигурка щегла на картине как бы подтверждает идею о том, что в сцене вскармливания младенца материнским молоком происходит другое таинство – духовное кормление.

Судьба великой картины

До того как художественное произведение оказалось в залах Эрмитажа, оно хранилось в коллекции миланского герцога Литта. Отсюда возникло название картины. До этого она именовалась «Мадонна с младенцем». В 1865 году герцог продал картину Эрмитажу за сто тысяч франков. Произведение было в таком плачевном состоянии, что потребовалась срочная реставрация.

Картину перенесли с дерева на холст, применив уникальную технологию.

Особенность восстановления полотна заключалась еще и в том, что автор при ее создании сам немало экспериментировал, создавая новые соединения красящих пигментов, смешивая масло и темперу и используя специальный клей, синтезированный из мельчайших частиц козьего пергамента и имевший кристальную прозрачность.

Понятия образа (imago) и подобия (similitude) в средневековом богословии означало также Тело и Кровь Христа. Вот что закодировал в своих художественных творениях великий Леонардо. Дата и авторство картины Традиционно считается, что картина Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» была начата в 1480 году и переписана в 1495-м.

Однако некоторые исследователи считают, что полотно было создано в начале 1500-х годов. Такое предположение связано с данными о том, что Леонардо получил в 1506 году заказ на изображение Мадонны от французского короля Людовика XII и от Папы Льва X, который просил написать Мадонну с младенцем на руках.

И как раз в картине «Мадонна Литта» (фото — в статье) ребенок не сидит на коленях у матери, как Леонардо рисовал на других полотнах, а покоится в ее руках.

Дата и авторство картины

Традиционно считается, что картина Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» была начата в 1480 году и переписана в 1495-м. Однако некоторые исследователи считают, что полотно было создано в начале 1500-х годов.

Такое предположение связано с данными о том, что Леонардо получил в 1506 году заказ на изображение Мадонны от французского короля Людовика XII и от Папы Льва X, который просил написать Мадонну с младенцем на руках.

http://fb.ru/article/138978/tayna-shedevra-leonard…nchi-madonna-litta#image386948

Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru

Презентация «Творчество художника Константина Васильева»

Пейзажи

Из книги А.И.Доронина «Руси волшебная палитра»

Константин Васильев в течение всей сознательной жизни с большей или меньшей активностью, в зависимости от обстоятельств, писал пейзажи. Его пейзаж — всегда живой, населенный если не какими-то фантастическими духами, то, во всяком случае, их символами.

Константин не был осведомлен, положим, что дерево излучает биологическую энергию, имеет свое биополе, воздействующее на все окружающее, о чем пишут теперь ученые. Но художник желал, ему непременно хотелось, чтобы лес был именно живым, ведущим активный разговор с человеком.

Работы художника имеют собирательный характер, и нет среди них ни одного просто нейтрального пейзажа, каждый несет ярко выраженное чувство.

Он стоит там, соxраняя гордость и величие, словно не замечая того, что утерял всех своих сверстников, а его самого давно окружает опустевшее поле. Но, видимо, знает этот патриарх лесов какую-то тайну и хранит ее до поры, чувствует еще в себе силу и ждет условного часа.

Пейзаж этот дает зрителю не только чисто эстетическое наслаждение — он пробуждает способность понять сокровенное.

Продолжая совершенствовать это направление в живописи, Васильев глубоко проникает в тайны состояния природы и к концу своей трагически оборвавшейся жизни создает удивительно одухотворен-

ные пейзажи «Осень» и «Лесная готика», в которых показывает примеры высочайшей пластики, богатейшего колорита, великолепной композиции и рисунка.

Константин очень любил осень, щедрую многообразием красок, и, собрав лучшие черты-приметы, написал обобщенный образ этого времени года.

Его «Осень» как бы извиняется перед зрителем за остывающее лето буйством цвета, необычной тишиной и торжественностью леса, который хотя и лишился птичьих песен, но не опустел: он дышит, несет в себе мощный заряд накопленной за лето энергии и щедро посылает его всему живому.

Константин как-то в разговоре с друзьями рассказал, что самое яркое и самое сильное впечатление о живописи у него осталось после того , как он увидел «Золотую осень» Левитана в букваре и его «Осень» создана на основе детских впечатлений.

В его «Лесной готике» передан психологический настрой северных народов Европы, во многом схожих с нашими русскими поморами, жившими среди строгих и величественных лесов. Картина несет в себе определенную печать этой суровости и возвышенности, какой-то аскетической духовности.

Несмотря на то, что художник написал вполне привычный нам хвойный лес со всеми его цветовыми бликами, лес этот ассоциируется с готическим храмом.

Безмолвны сосны. Но вот сквозь кроны деревьев отвесно падают солнечные лучи, пробиваясь тремя самостоятельными потоками и заливая сказочным светом стволы деревьев, землю. Своей живительной силой свет одухотворяет суровую стихию леса. Вся земля становится светлой и прозрачной, и мы уже слышим звучание органа , составленного из необычных этих труб.

Все это вместе создает океан звуков мятущихся и в то же время торжественных и глубоких. И вдруг мы выделяем нежное, лирическое пение маленькой елочки и одновременно замечаем ее, оторвавшуюся от земли и парящую между грозных стволов в надежде пробиться к живительному свету.

И тотчас елочка вызывает в нас трепетное чувство, стремление помочь ей, не дать стихиям, темным силам задушить этот росток.

Такова основа глубокой гуманной сущности северных народов: не тонкая задушевная лирика южанина, но всегда суровая по своему выражению, требующая активного действия драма.

Сюрреализм в действии: 16 известных картин Рене Магритта

119 лет назад, 21 ноября 1898 года, в бельгийском Лессине родился Рене Магритт, один из наиболее известных художников-сюрреалистов. Пользуемся случаем и вспоминаем самые обсуждаемые работы мастера, резко выделяющиеся на фоне других представителей сюрреализма.

Многие из них уже давно живут отдельно от имени своего создателя, при жизни крайне негативно относившегося к попыткам арт-критиков разгадать смысл его полотен.

При этом сам художник комментировал свои картины довольно часто, да и названия работ, зачастую, лучше всяких слов разъясняли заложенную в них идею.

В пятерку наиболее растиражированных и часто встречающихся картин, при одном взгляде на которые становится понятно, кто их автор, входят «Влюбленные», «Сын человеческий», «Человек в котелке», «Голконда» и «Вероломство образов».

Последняя, а по времени одна из самых первых, лучше всего отражает тот посыл, что закладывал Магритт в свое творчество. На ней изображена трубка с подписью «Это не трубка». На первый взгляд, фраза кажется абсурдной, однако по сути все верно.

Ведь перед нами картина с изображением трубки, а не сам предмет, который можно раскурить. Чувствуете разницу?

«Убийца в опасности», 1927