Сочинение-описание картины Мадонна Литта Леонардо да Винчи
Леонардо был из тех художников, кого прежде всего привлекала формальная сторона искусства.
Его часто называют экспериментатором, потому что он только тем и занимался, что искал способы передачи тех или иных вещей в живописи. Искал формы – формальные средства.
Например, его чрезвычайно интересовало, как передать на плоскости картины объем, трехмерность. Если б не его разработки, появилось бы 3D? Риторический вопрос.
Мадонна Литта, Леонардо
В Джоконде художник использовал прием сфумато, а в более ранней Мадонне Литта он пытался передать впечатление трехмерности благодаря особой позе, придаваемой изображенным фигурам.
Особой не потому, что особо вычурной или изогнутой – нет, поза, по его мысли, должна была быть исключительно, абсолютно естественной! Но при этом она должна была быть такой, чтобы через нее появлялся объем, оптическое впечатление объема.
Отсюда и количество рисунков с Мадонной и Младенцем – Леонардо искал наиболее выигрышную позу, исходя из гениальной гипотезы: положение тел Мадонны и Младенца должно быть вписано в пирамиду, угол которой выступает на зрителя.
Посмотрим на Мадонну Литта: мать и младенец нарисованы так, что образуют пирамидальную конструкцию. Голова Мадонны (ее геометрическая вершина) является вершиной пирамиды.
Левая грань образована линией, которую можно провести от лба (чистого и прекрасного!) Мадонны ко лбу младенца, и далее она продолжается складкой плаща, свисающего с правой руки. Правая грань пирамиды – линия шеи, плеча и линия плаща, немного срезающая угол и смягчающая жесткость конструкции.
Если провести линию от верхней точки головы Мадонны до правой коленки младенца, то это и будет выступающая грань пирамиды. Задача решена!
Хотя над головой Мадонны наверняка трудился сам Леонардо: полуулыбка, образованная туманным сфумато в уголке рта Мадонны, это ноу-хау, фирменный знак Мастера. А мясистый младенец принадлежит кисти Больтраффио, который так и остался тяжеловесным ломбардцем (как говорит А.
Бенуа), несмотря на годы обучения в мастерской утонченного флорентийца Леонардо.
И напоследок: Литта – это не имя Мадонны. Имя Мадонны – Мария. Литта – графское семейство из Милана, продавшее Эрмитажу «Мадонну с младенцем» кисти великого Леонардо да Винчи в 1865 году за 100 тысяч франков.
(+3 рейтинг картины, 3
2 часть
Во II части выступает другая характерная сторона романтизма — умиротворение в мечте. Созерцательный покой и мечтательная грусть Andante воспринима-ются не как преодоление конфликта, а как примирение с неизбежным (подобно «Прекрасной мельничихе»). Композиция Andante близка сонатной форме без разработки. Вместе с тем, в ней многое восходит к 2х-частным песенным формам:
- песенно-лирический тематизм,
- замена тематической разработки вариантным мелодическим развитием,
- замкнутость изложения главной темы.
Песенная, широкая, полная тихого созерцательного покоя и умиротворения, главная тема
звучит у скрипок и альтов после краткой вводной фразы (нисходящая гамма контрабасов рizzicato на фоне мягких аккордов валторн и фаготов).
Подобно I части, новая музыкальная мысль — побочная тема
— вводится не как противоборствующая, сила, а как переключение в иную эмоциональную сферу — элегическую. Трогательная и кроткая, детски наивная и одновременно серьезная, она заставляет вспомнить п.п. I части: синкопированный аккомпанемент (скрипки и альты), подготавливающий вступление мелодии, внезапный омрачающий сдвиг в область драматических переживаний. Но смысл этих тем совершенно разный. Если в I части побочная тема открывала доступ в мир светлой мечты, то в Andante она характеризует состояние надломленности, беззащитности. В репризе
обе темы излагаются почти без изменений (тональность побочной — a-moll). Кода, построенная на отдельных мотивах главной темы, возвращает в русло умиротворенного созерцания.
У Шуберта h-moll как основная тональность произведения не встречается больше ни в одном инструмент. сочинении (кроме танцев). В песенном же творчес-тве он,напротив, нередко использует h-moll, связывая его, как прави-ло, с воплощением трагической, неразрешимой ситуации («Двойник» на слова Гейне).
Описание картины Мадонна Литта – Леонардо Да Винчи
Картину “Мадонна Литта” художник Леонардо да Винчи написал в начале 90-х годов 15-го столетия. Размер картины 42 x 33 см, дерево, темпера. В картине “Мадонне Литта” – в произведении итальянского живописца иного, более камерного характера нежели ранние работы, отчетливо выразились элементы нового искусства эпохи Высокого Возрождения.
https://www.youtube.com/watch?v=pE2NJWEur20
Общий замысел картины восходит, бесспорно, к самому мастеру, что подтверждается его собственноручным рисунком женской головы для головы мадонны, хранящимся в Лувре, и той особой красотой композиционного решения, которая в те годы была недоступна никому, кроме Леонардо да Винчи. Однако живописное исполнение картины менее совершенно. Это связано, по-видимому, с тем, что в работе над картиной принимал участие ученик Леонардо Амброджо де Предис.
Картина “Мадонна Литта” по своему типу напрашивается на сравнение с “Мадонной с цветком”, в сопоставлении с которой становится особенно наглядным решающий качественный скачок, который произошел в творчестве Леонардо да Винчи. Композиционное построение картины отличается поразительной четкостью и совершенством.
Достаточно обратить внимание на то, как красиво до предела обобщенный и в то же время живой силуэт фигуры мадонны сочетается с геометрически строгими очертаниями двух симметрично расположенных оконных проемов или как безошибочно точно, но в то же время естественно ее голова помещена в простенке между этими окнами. Мягкая лепка ее лица выигрывает от контрастного соседства с голубым небом, видимым в просвете окон
Чувство радости материнства в картине “Мадонна Литта” углубилось благодаря содержательности самого образа Марии – в нем нашел свое зрелое выражение тип леонардовской женской красоты.
Тонкому прекрасному лицу мадонны особую одухотворенность придают полузакрытые глаза и едва уловимая улыбка – кажется, что она улыбается своим грезам.
Картина “Мадонна Литта” написана художником не маслом, а темперой – ее лучшей сохранностью объясняется, вероятно, несколько более интенсивное, чем обычно у Леонардо, колористическое созвучие подбитого золотистой подкладкой синего плаща и насыщенно красного платья мадонны.
(2 votes, average: 5.00
Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»
Categories: Автор — Алевтина_Князева. Это цитата этого сообщенияЛеонардо да Винчи «Мадонна Литта»
Сюжет картины Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»
Это распространенный богословский сюжет, посвященный Богоматери и Младенцу-Христу. Согласно раннехристианской традиции, художник показывал Марию целиком сосредоточенной на ребенке, тогда как взгляд маленького Иисуса был устремлен на зрителя. Так же композиционно решена и работа да Винчи «Мадонна Литта».
Дева Мария изображена на фоне двух окон в виде арок, из которых льется голубой прозрачный свет, усиливая темный фон за ее спиной. Спереди фигура Богоматери с младенцем освещена мягким светом, источник которого расположен как бы перед изображением. Мать любовно и бережно держит, обхватив, младенца. Мальчик нежно приник к ней.
Правой ручкой он обхватил материнскую грудь, а в левой — держит щегленка.
Символика полотна Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»
Она заложена и в сюжете, и в композиции картины. Одухотворенный взгляд Богоматери подчеркнуто сконцентрирован на сыне, поскольку для нее Он является центром Вселенной. Взор младенца размыкает закрытую композицию картины. Христос глядит на зрителей и словно бы говорит: «Я всегда с вами».
Такая символика присутствовала на раннехристианских фресках, найденных в римских катакомбах. Она очень впечатлила Леонардо да Винчи. «Мадонна Литта» стала результатом творческого осмысления этого символического обещания Христа человечеству, так же как и изображение процесса кормления. Бог воплотился в человека и вскормлен молоком матери.
Через это кормление Он принимает и человеческую душу. И здесь знаменательной деталью видится изображение щегленка. Историкам известен тот факт, что Леонардо нередко приходил на птичий рынок, покупал и отпускал в небо птиц. Художник считал, что птичья душа через кормление копирует душу человека.
Фигурка щегла на картине как бы подтверждает идею о том, что в сцене вскармливания младенца материнским молоком происходит другое таинство – духовное кормление.
Судьба великой картины
До того как художественное произведение оказалось в залах Эрмитажа, оно хранилось в коллекции миланского герцога Литта. Отсюда возникло название картины. До этого она именовалась «Мадонна с младенцем». В 1865 году герцог продал картину Эрмитажу за сто тысяч франков. Произведение было в таком плачевном состоянии, что потребовалась срочная реставрация.
Картину перенесли с дерева на холст, применив уникальную технологию.
Особенность восстановления полотна заключалась еще и в том, что автор при ее создании сам немало экспериментировал, создавая новые соединения красящих пигментов, смешивая масло и темперу и используя специальный клей, синтезированный из мельчайших частиц козьего пергамента и имевший кристальную прозрачность.
Понятия образа (imago) и подобия (similitude) в средневековом богословии означало также Тело и Кровь Христа. Вот что закодировал в своих художественных творениях великий Леонардо. Дата и авторство картины Традиционно считается, что картина Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» была начата в 1480 году и переписана в 1495-м.
Однако некоторые исследователи считают, что полотно было создано в начале 1500-х годов. Такое предположение связано с данными о том, что Леонардо получил в 1506 году заказ на изображение Мадонны от французского короля Людовика XII и от Папы Льва X, который просил написать Мадонну с младенцем на руках.
И как раз в картине «Мадонна Литта» (фото — в статье) ребенок не сидит на коленях у матери, как Леонардо рисовал на других полотнах, а покоится в ее руках.
Дата и авторство картины
Традиционно считается, что картина Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» была начата в 1480 году и переписана в 1495-м. Однако некоторые исследователи считают, что полотно было создано в начале 1500-х годов.
Такое предположение связано с данными о том, что Леонардо получил в 1506 году заказ на изображение Мадонны от французского короля Людовика XII и от Папы Льва X, который просил написать Мадонну с младенцем на руках.
И как раз в картине «Мадонна Литта» (фото — в статье) ребенок не сидит на коленях у матери, как Леонардо рисовал на других полотнах, а покоится в ее руках.
http://fb.ru/article/138978/tayna-shedevra-leonard…nchi-madonna-litta#image386948
Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru
1 часть
Первый же образ симфонии, данный в ее вступлении
, совершенно необычен: в унисоне виолончелей и контрабасов тихо возникает сумрачная тема, вопросительно замирающая на D основной тональности (от этого же звука возьмет начало главная тема). Это эпиграф ко всей симфонии и главная, руководящая мысль I части, охватывающая ее замкнутым кругом. Она зву-чит не только в начале, но и в центре, и в заключении I части, кал постоянная, неотступная идея. Причем интонации безрадост-ного раздумья постепенно перерастают в трагический пафос отчаяния.
При введении главной
темы
Шуберт использует характерный прием песенной техники — изложение фонового материала до
вступления мелодии. Этот рвущийся впе-ред единообразный аккомпанемент струнных звучит вплоть до вступления побочной, объединяя всю тематическую линию (тоже песенный прием). Аккомпанемент создает ощущение тревожного беспокойства, сама же тема имеет характер трогательно-печальный и воспринимается как жалоба. Композитор нашел выразительную инструментовку — сочетание гобоя с кла-рнетом, который смягчает некоторую резкость основного тембра.
Характерной чертой экспозиции «Неоконченной» симфонии является непосредственное сопостав-ление главной и побочной тем, без развитой связующей партии. Это — характерная особенность песенного симфонизма, в корне противоположная бетховенской логике последовательных переходов. Главная и побочная темы контраст-ны
,
но
не
конфликтны
, они сопоставляются как разные сферы песенной лирики.
С побочной партией
связана первая драматическая ситуация в симфонии: светлая и чудесная, как мечта, тема (G-dur, виолончели) внезапно обрывается, и после генеральной паузы на фоне громовых тремолирующих минорных ак-кордов скорбно звучит начальная квинтовая интонация главной темы. Этот тра-гический акцент поражает резкой неожиданностью и ассоциируется с круше-нием мечты при ее столкновении с реальностью (типично романтический прием). В конце экспозиции в сосредоточенной тишине вновь звучит тема вступления.
Вся разработка
строится исключительно на материале вступления. Шуберт выступает здесь создателем монологического
типа разработки, столь характерного для романтической симфонии. Обращение к нему вызвано особым дра-матургическим замыслом: композитор не стремился запечатлеть борьбу про-тивоположных начал, преодоление препятствий. Его цель — передать безна-дежность сопротивления, состояние обреченности.
Сквозное развитие темы вступления проходит в разработке 2 этапа. Первый из них связан с обострением лирико-драматической экспрессии. Мелодическая линия темы не спускается вниз, а в сильном crescendo вздымается вверх. Нарастание эмоционального напряжения приводит к I кульминации — конфликтному диалогу грозного мотива вступления и тоскливо звучащих синкоп из побочной партии (он проводится трижды). Завершается первая фаза разработки громоподобным проведением темы вступления в tutti оркестра в e-moll.
Второй этап разработки подчинен показу неотвратимо-го натиска роковых сил. Интонации темы становятся всё более жесткими, резкими, властными. Но, подойдя к концу разработки к предельному кульминационному взрыву, трагический накал внезапно иссякает. Подобный прием «рассеивания» кульминации перед репризой весьма характерен для Шуберта.
В репризе
существенных изменений нет, лишь побочная партия рас-ширяется в объеме и становится более печальной (переход в h-moll). Отсутствие изменений после мучительных порывов, тревог и борьбы разра-ботки приобретает глубокий смысл: «все напрасно». Приходит осознание не-разрешимости конфликта, смирение перед трагической неизбежностью. Этот вывод дает кода
, где вновь возвращается тема вступления, приобретая еще более скорбный оттенок.
Обнаружен новый портрет Эразма Роттердамского кисти Гольбейна?
Работа, купленная на аукционе за 2000 евро, может оказаться шедевром кисти Ганса Гольбейна младшего
Когда восемь лет назад на небольшом аукционе распродавалось фамильное имущество и антиквариат, принадлежавшие когда-то богатой и знатной французской семье, неизвестный портрет Эразма Роттердамского ушел с молотка всего за 2 тысячи евро. Плохо сохранившееся, грязное полотно было атрибутировано одному из бесчисленных подражателей великого немецкого художника Ганса Гольбейна младшего (Hans Holbein der Jüngere), и потому ставки на него были невысоки.
Однако недавно выяснилось, что частный коллекционер из Цюриха, который приобрел эту картину, заключил весьма выгодную сделку. Эксперты установили, что данное произведение — последний написанный Гольбейном портрет Эразма Роттердамского. Он входит в число тех немногих работ этого автора, которые находятся в частных собраниях и, скорее всего, стоит миллионы евро.
Находка произвела настоящий фурор среди исследователей творчества Ганса Гольбейна. Это полотно имеет особое значение, поскольку Эразм Роттердамский запечатлен на нем в последние годы своей жизни (предположительно, оно было написано за 6 лет до его смерти). К тому же этот портрет является подтверждением того, что дружба между художником и философом сохранялась до конца жизни последнего.
Работа была представлена широкой публике на выставке «Образы Эразма» в музее Бойманс ван Бейнинген (Роттердам) как подлинная работа Гольбейна. После продажи на аукционе 27 сентября 2000 года она по настоянию нового владельца была очищена от темного фона, который был нанесен значительно позже. Тогда и возникли вопросы по поводу ее происхождения.
Реставратор из Нью-Йорка Марко Грасси (Marco Grassi), занимавшийся восстановлением картины, был поражен тем, что открылось его взору после удаления более поздних наслоений. Манера, в которой были написаны руки модели, книга и мех на одежде, оказалась удивительно близка гольбейновской.
Затем были сделаны снимки в инфракрасных лучах, на которых под красочным слоем обнаружилась прорисовка рук, имеющая большое сходство с методами Гольбейна.
Грасси признался, что швейцарский коллекционер приобрел это полотно по его совету, однако, по его словам, здесь «не обошлось без элементов случайности».
Среди представителей этого рода было множество парламентариев и судей, а один из них был сторонником Людовика XVI и выступал в его защиту до того, как король был казнен. Ламуаньоны происходят из дворянской династии Дентевилль.
Один из членов этой семьи, Жан де Дентевиль (Jean de Dinteville), изображен на картине Гольбейна «Послы», которая сейчас находится в лондонской Национальной галерее.
Согласно имеющейся информации, в 1721 году один из членов семьи Ламуаньон получил в наследство имущество Дентевилей.
Куратор музея Бойманс ван Бейнинген, Петер ван дер Колен (Peter van der Coelen), рассказал, что данный портрет скорее всего был написан в 1530 году, когда и Гольбейн, и Эразм Роттердамскый жили в Базеле. Однако официально его подлинность пока не подтверждена.
Следует отметить, что работы Гольбейна на рынке очень редки. В последние несколько десятилетий достойных образцов вообще не появлялось. Единственным значительным произведением можно назвать портрет сэра Томаса Уайета, который недавно был продан в лондонской Weiss Gallery за 10 миллионов долларов. Это при том, что подлинность его находилась под вопросом.
По мнению экспертов, недавно обнаруженная картина с изображением Эразма Роттердамского может оказаться очень ценной: возможно, что рукой одного из величайших портретистов северного Возрождения на холсте запечатлен выдающийся ученый-гуманист, писатель, филолог, богослов. 23 января 2009 года в роттердамском музее состоится симпозиум, на котором пройдет обсуждение и, возможно, будет окончательно подтверждена подлинность этой работы.
Материал подготовила Екатерина Онучина
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ
Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
Сочинение по картине Леонардо да Винчи. Мадонна Лита
Я помню, когда впервые увидела ее. Это было на уроке истории искусств, мы изучали эпоху Возрождения и наконец-то добрались до ее самого высокого расцвета. Учительница доставала репродукции, показывала нам и отдельно по каждой рассказывала какую-то историю. Я помню, что многие скучали, не смотря на такую увлекательную тему урока: «Леонардо да Винчи. Жизнь и творчество гения».
Нет, я расскажу не о его самой знаменитой картине. Меня гораздо больше поразила, вдохновила и разбудила его Мадонна Литта. И дело не только в том, что я художник, которого обязательно должны вдохновлять великие произведения. Нет, дело в том, какую глубину я увидела в картине и что я при этом почувствовала…
Я стояла перед ней в Эрмитаже. Это мгновение я не забуду никогда в своей жизни. Мое настоящее знакомство с ней длилось всего несколько минут, но осталось в сердце навсегда. Освещенная светом, она держит свое дитя на руках, и нет ничего прекраснее этого священного материнства. Я помню, как мы пришли в залл, наполненный людьми.
Леонардо да Винчи. Мадонна Лита.
А я стояла рядом с Ней, недалеко у окна, за шторой… стояла и беззвучно плакала. Никогда еще настолько сильно я не ощущала все величие и ничтожность нашего мира. Такой молчаливый и яркий контраст между Вечностью и Проходящим бесследно. То, что потоком проходит мимо, не глядя и не останавливаясь, и то, что остается в веках.
Хотелось закричать на весь зал, чтобы хоть кто-то обратил внимание на то, что именно было нарисовано на картине. Ведь на самом деле всех интересует только дата создания, ведь это же так круто — сфотографироваться с картиной, которой больше 500-та лет! И никто не попытался прочувствовать, понять ЕЕ, дотронуться до волшебства, которым пронизано все в Ней
А я смотрела на Нее и чувствовала свет, исходящий изнутри. Искусство должно радовать тех, кто к нему прикасается. Я знаю, есть мнение, что только через страдания рождается художник и творец. Но то произведение, которое он являет миру, должно нести в себе радость, покой и свет.
Я смотрела на нее и улыбалась. Ведь она смогла разбудить во мне способность видеть, слышать и чувствовать полной грудью. Способность останавливаться и наслаждаться мгновением вечности, прикасаясь к чему-то божественному. Прошло уже десять лет, а я до сих пор помню, как дрожала моя душа от нахлынувших чувств. Между мной и картиной свершилась магия.
Автор сочинения: sivanna