Рифф
В различных стилях популярной музыки под риффом понимается короткая расслабленная фраза, повторяющаяся при смене мелодии. Он может служить припевом или мелодической фигурой , часто исполняемой инструментами ритм-секции или сольными инструментами, составляющими основу или аккомпанемент музыкальной композиции. Хотя они чаще всего встречаются в рок — музыке , хэви — метал , Латинской , фанк и джаз , классическая музыка также иногда основана на простом рифф, таких как Равель «s болеро . Риффы могут быть такими же простыми, как теноровый саксофон, сигнализирующим простой, запоминающейся ритмической фигуре, или столь же сложными, как основанные на риффах вариации в аранжировке головы, исполняемые оркестром графа Бэйси .
Дэвид Брэкетт (1999) определяет риффы как «короткие мелодические фразы», а Ричард Миддлтон (1999) определяет их как «короткие ритмические, мелодические или гармонические фигуры, повторяющиеся для формирования структурной основы». Рикки Руксби утверждает: «Рифф — это короткая, повторяющаяся, запоминающаяся музыкальная фраза, часто звучащая низко на гитаре, которая фокусирует большую часть энергии и волнения рок-песни».
В джазе и R&B рифы часто используются как отправная точка для более длинных композиций. Рифф из бибоп- номера Чарли Паркера » » (1945) возродился четыре года спустя в виде танцевального R&B хита » The Hucklebuck «. Куплет «The Hucklebuck» — еще один рифф — был «позаимствован» из композиции Арти Мэтьюза » Weary Blues «. У « В настроении » Гленна Миллера была более ранняя жизнь как « Топот из бумаги Wingy Manone ». Во всех этих песнях используются блюзовые риффы из двенадцати тактов, и большинство из них, вероятно, предшествуют приведенным примерам.
Ни один из терминов «рифф» или « лизать » не используется в классической музыке . Вместо этого отдельные музыкальные фразы, используемые в качестве основы классических музыкальных произведений, называются остинато или просто фразами. Современные джазовые писатели также используют остинато в модальной музыке, напоминающие риффы или лизунцы . В латинском джазе часто используются риффы на основе гуачео.
Индийская классическая музыка
В индийской классической музыке во время сольных выступлений Табла или Пахавадж и танцевального сопровождения Катхак концептуально подобный мелодический образец, известный как Лехара (иногда пишется Лехра) или Нагма, воспроизводится неоднократно на протяжении всего выступления. Этот мелодический паттерн устанавливается на количество ударов в исполняемом ритмическом цикле ( Тала или Таал) и может быть основан на одной или на смеси нескольких Раг .
Основная идея лехары — обеспечить устойчивую мелодическую основу и выдержать временной цикл для ритмических импровизаций. Он служит слуховым верстаком не только для солиста, но и для публики, чтобы оценить изобретательность импровизаций и, следовательно, достоинства всего исполнения. В индийской классической музыке первостепенное значение имеет понятие «сэм» (произносится как «сумма»). Сэм является целевой унисонной долей (и почти всегда первой долей) любого ритмического цикла
Второй по важности ритм — это Khali, который является дополнением к сэму. Помимо этих двух основных долей, в любом таале есть другие доли ударения, которые обозначают кханд (подразделения) таала
Например, «Рупак» или «Рупак» таал, ритмический цикл из 7 долей, делится на 3–2–2, что дополнительно подразумевает, что 1-я, 4-я и 6-я доли являются основными долями в этом таале. Следовательно, обычно, но не обязательно, выравнивать lehara согласно разделам Taal. Это сделано с целью подчеркнуть те удары, которые отмечают подразделения Таал.
На лехаре можно играть на различных инструментах, включая саранги , фисгармонию , ситар , сарод , флейту и другие. Игра на лехаре относительно свободна от многочисленных правил и ограничений Рага Сангит , которые соблюдаются и соблюдаются в традициях индийской классической музыки. Лехара может перемежаться короткими и случайными импровизациями, построенными вокруг основной мелодии. Также допускается переключение между двумя или более разнородными мелодиями во время выступления
Очень важно играть на лехару с высочайшей точностью в контроле лайя (темп) и свары , что требует многолетней специальной подготовки ( таалим ) и практики ( риаз ). Считается отличительным признаком мастерства играть на лехаре вместе с признанным виртуозом Табла или Пахаваджа, так как трудно поддерживать стабильный пульс, пока перкуссионист импровизирует или играет сложные композиции на контрапункте
Хотя может быть множество индивидуально талантливых инструменталистов, очень немногие способны играть на лехре для сольного выступления Табла / Пахавадж.
Музыка Африки к югу от Сахары
Ганский gyil
Контрметрическая структура
Многие инструменты к югу от пустыни Сахара играют остинато-мелодии. К ним относятся ламеллофоны, такие как мбира , а также ксилофоны, такие как балафон , бикутси и гиль . Фигуры остинато также играют на струнных инструментах, таких как кора , ансамбли колокольчиков ганкоки и ансамбли тональных барабанов. Часто африканские остинато содержат нестандартные биты или кросс-биты , противоречащие метрической структуре. Другое африканское ostinatos генерировать полные кросс-ритмы от звучащих как основных ударов и поперечных удары. В следующем примере гиль звучит в перекрестном ритме «три против двоих» ( гемиола ). Левая рука (нижние ноты) воспроизводит два основных удара, а правая рука (верхние ноты) — три перекрестных удара.
Ганский gyil кросс-ритмический остинато Play ( помощь · информация )
Африканские гармонические прогрессии
Популярные танцевальные группы в Западной Африке и регионе Конго играют на гитарах, играющих остинато. Африканские части гитары взяты из различных источников, в том числе коренных Mbira , а также внешних влияний , таких как Джеймс Браун -типа фанк риффы. Однако иностранные влияния интерпретируются через отчетливо африканскую остинатную чувствительность. Африканские стили гитары начались с того, что конголезские группы исполнили кубинские кавер-версии. Кубинское гуаджо было знакомым и экзотическим для африканских музыкантов качеством. Постепенно возникли различные региональные стили игры на гитаре, по мере того как в африканизированных гуачо все более преобладало влияние коренных народов .
Как утверждает Мур: «Можно сказать, что I — IV — V — IV для африканской музыки — это то же самое, что 12-тактный блюз для североамериканской музыки». На первый взгляд такое развитие событий, кажется, следует за условностями западной теории музыки. Однако исполнители африканской популярной музыки не воспринимают эти прогрессии одинаково. Гармонические прогрессии, которые переходят от тонического к субдоминанту (как они известны в европейской музыке), использовались в традиционной африканской гармонии к югу от Сахары на протяжении сотен лет. Их разработки следуют всем конвенциям традиционных африканских гармонических принципов. Гехард Кубик заключает:
Примечания и ссылки
- Жан-Филипп Наварр, Диего Ортис: Полное собрание сочинений, Том 1: Trattado de Glosas (1553) , редактор Пьера Мардага,15 сентября 2002 г., 176 с.
- Жак Сирон, Внутренняя перегородка: Джаз, импровизированная музыка , Париж, Издания Outre Mesure,1992 г., 766 с. ( ISBN 2-907891-03-0 ).
- (in) на imslp.org
- (in) на imslp.org
- (in) на imslp.org .
- (in) Эллен Розанд, « Нисходящий тетрахорд: эмблема плача » , The Musical Quarterly , Vol. 65, п о 3,1979 г., стр. 346-359.
- (in) на imslp.org .
- (in) на imslp.org .
- Кишечник, страница 38
- ↑ и Dictionary of Music — Larousse editions
- ↑ и 50 стандартов эпохи Возрождения и барокко — Издания Fuzeau
Эта статья частично или полностью взята из статьи « Ground Bass » (см. Список авторов ) .
Знаменитые Остинато
Пассамеццо
Пассамеццо является итальянский Ренессанс танец известен по всей Европе. Он встречается в двух формах: passamezzo antico , бас которого находится в минор, и passamezzo moderno , бас которого находится в мажоре. Первое исследование итальянского тенора из Ортиса — это antico passamezzo , бас которого здесь:
Ноты временно отключены.
Бас пассамеццо модерн используется в знаменитом произведении John Come Kiss Me Now , вот версия Томаса Бальцара, опубликованная в The Division Violin :
Ноты временно отключены.
Ла Романеска
La Romanesca — это упрямый бас, используемый для танцев . Он находится в пьесе « Зеленые рукава к земле», опубликованной в сборнике Флейта Дивизиона Джона Уолша:
Ноты временно отключены.
La Folia
Чем ниже Folia является остинато самым известным из всех времен, он был использован для бесчисленных вариаций с момента ее появления в XV — м веке. Арканджело Корелли придал ей наиболее совершенную классическую форму до такой степени, что ее иногда приписывают ему (как в случае с Рахманиновым в его вариациях на тему Корелли ):
Ноты временно отключены.
Нисходящий тетрахорд
Нисходящий тетрахорд — это серия из четырех нот, начиная с тоники и заканчивая доминантой через две промежуточные ноты. Этот мотив иногда обогащается мимолетными нотами и / или каденциальной формулой тоника. Начиная с эпохи Возрождения , он часто используется в минорной версии для обозначения боли или печали. Нижний воздух смерти Дидоны из Перселла использует нисходящий тетрахорд в форме очень подробно:
Ноты временно отключены.
Цикл пятых
Цикл квинт в нисходящем направлении также используется в качестве упорного баса. Затем следует бас — прогрессии I — IV — VII — III — VI — II — V — I. проход в миноре Chaconne Le Feu , третье движение ( в том числе пролога) из симфонии Les Élémens по Жан-Fery Мятежник , использует этот процесс:
Ноты временно отключены.
Мы найдем эту последовательность басов в сопровождении мелодии песни Les Feuilles mortes .
Болеро Равеля
Ритмическая ячейка болеро Равеля .
Основной ритмический мотив Болеро Равеля (вверху на изображении напротив) задается малым барабаном без каких-либо вариаций на протяжении всей работы, за исключением последних двух тактов, где он резко прерывается. Вторичный паттерн ритма (нижний упрощено здесь на одном из сотрудников Serge Gut ) также играет роль тональной ковки двойную педали из тоника ( сделать ) — доминирующий ( заземляющую ) на протяжении всей песни.
Summary
Ostinatos are repeated musical patterns that provide support for the other voices in a song or instrumental composition.
Ostinato literally means “stubborn” in Italian, and this term is used to refer to any short sequence of notes which recurs throughout a piece. Often, they are the lowest-pitched melody in a work, but there are plenty of examples that are used in the upper parts.
Ostinatos feature in countless pieces of music, including works by many composers from across history and around the world. In this article, we’ll learn what ostinatos are – how they work, why they’re important, and some examples you can listen to!
Why are Ostinatos used in music?
Ostinato can be applied to many genres and styles of music but Ostinatos are most famously used in Latin Music (Salsa, Merengue, etc.) Ostinatos are used in jazz music as well. As your ear becomes accustomed to an Ostinato, you will notice it being repeated throughout various instruments in the different parts of the song.
Ostinatos are used by music composers to provide a sense of continuity and make sure that all instruments in the piece play a similar pattern. In modern times, Ostinatos have been used widely in Pop Music, Rock Music, and Electronic Music.
In Salsa/Latin music Ostinato patterns are played on the piano. Ostinato patterns are especially popular in Salsa music because they provide an easy way to fill up the more empty space that is typical of this musical genre.
Ostinato patterns can also be the main focus of a piece. In this case, percussion instruments such as maracas, bongos, or congas are often used to create an Ostinato pattern such as a repeated rhythm. Ostinato works well with drums and other percussion instruments because they emphasize the Ostinato rhythm.
Наземный бас
A Ground Bass или Ground — это английский эквивалент остинато. Этим термином можно обозначить либо серию нот, либо упорные гармонии, либо всю композицию, построенную по этой схеме. Есть два типа оснований: гармонические и мелодические.
— Томас Мейс , Памятник Мусику (1676 г.)
— Памятник Мусику (1676 г.)
(Под дивизией здесь понимается вариация или импровизация из земли)
Мелодичная земля
Этот тип грунта появляется над XVII — го и XVIII — го века , а иногда может упоминаться как произведение аналогично пассакалии или Чакона. Использование этой основы больше не ограничивается клавишной музыкой, но также распространяется на вокальную или оркестровую музыку. Одной из его характеристик является то, что упрямая мелодия перемещается между голосами, а не просто воспроизводится басом. Также возможно гармонизировать фон по-разному от одной вариации к другой.
Использовать
Многие земли были составлены Джоном Плейфордом и Кристофером Симпсоном.
Джон Блоу, но особенно Генри Перселл, часто используют мелодичную основу , например, в A Ground in Gamut (Перселл). Перселл даже использует его в своих
операх, таких как фэнтези « Три части на земле» или в ариях Дидоны и Энеаса ( Ах, Белинда , Земля Гиттара , Когда я лежу на Земле ), Королевы фей ( Равнина , Да, Дафне ). , или в музыке на некоторое время .
Задача этих композиторов и им подобных ( Берд , Фарнэби , Крофт ) — преодолеть ограничения, налагаемые повторением одного и того же мотива. Благодаря своему искусству полифонии и контрапункта, они создают совершенно независимые мелодические последовательности, передаваемые верхним голосом (голосами) и басом. Таким образом, им удается скрыть упорный бас, хотя он остается основополагающим элементом партитуры. Термин «земля» в этих последних случаях скорее будет относиться к любому музыкальному фрагменту, который проигрывается неоднократно, в то время как другие голоса развиваются.
History of Ostinato
The musical term originates from the Italian word “ostinato” which means stubborn or persistent. Ostinatos first appeared in Western composition from the 13th century onward like in the Concerto, Opus 38 (first performed 1925), of Paul Hindemith. Ostinato became particularly popular with the baroque composers like Bach, Purcell, and Pachelbe as it is commonly found in their chaconnes (a musical form that consists of a sequence of eight or more phrases).
Ostinato can be used in many different forms. Ostinato can be used in solo, ensemble, or orchestral settings. Ostinato can also be found in other genres besides classical music as it is not only limited to instrumental performances but it’s also used for vocal works as well.
Ostinatos are also written with different meters and rhythms-it can be in 6/8 form, 3/4 time signature, or even 4/4. Ostinato can be found in many different forms of music-classical, country, folk, rock, and pop.
Афро-кубинское гуахео
Гуачео — типичная кубинская мелодия остинато, чаще всего состоящая из арпеджио аккордов в синкопированных паттернах. Гуачео — гибрид африканского и европейского остинато. Впервые гуаджо играли в качестве аккомпанемента к трэ в фольклорном чангуи и сыне . Термин гуаджо часто используется для обозначения определенных паттернов остинато, играемых тресом, фортепиано, инструментом из семейства скрипичных или саксофонами. Гуачео — фундаментальный компонент современной сальсы и латинского джаза . В следующем примере показан базовый узор гуаджо.
Кубинское гуаджо, написанное в программе Cut-time Play ( помощь · информация )
Гуачео — это безупречный гибрид афро-европейского остинато, который оказал большое влияние на джаз, R&B, рок-н-ролл и популярную музыку в целом. Гитарный рифф The Beatles » I Feel Fine » похож на гуачео.
Краткая характеристика
Термин ostinato возник в XVIII веке, но остинатная техника как таковая известна с XII—XIII веков, впервые в виде модальных ритмических формул. Сочетание разных по протяжённости мелодического и ритмического остинато, известное как изоритмия, использовалось в мотетах XIV—XV веков (Филипп де Витри, Гильом де Машо, Джон Данстейбл, Гийом Дюфаи, анонимные авторы). Разновидностью мелодического остинато принято считать технику письма на cantus firmus в полифонии нидерландской школы и других композиторов-полифонистов XV―XVI веков. В связи с бурным развитием инструментальной музыки в XVI веке, ускорившим становление мажорно-минорной тональности, в Италии и Испании появились формы-клише, основанные на разных гармонических остинато — пассамеццо, романеска, фолия, Руджеро и т. п. Естественным следствием гармонических остинато (основные тоны в аккордах нарождающихся тональных функций) родились и новые шаблоны басового мелодического остинато (о нём см. отдельную статью basso ostinato). В эпоху венской классики остинато встречаются редко. В XIX веке возродились (особенно у романтиков, но не только) с новой силой. В России М. И. Глинка развивал свой вариант остинатной техники, вариации на soprano ostinato (так называемые «глинкинские вариации»).
В музыке XX века остинатный принцип композиции зачастую реализовали в виде мелодического остинато, привязанного к тональной гармонии («Наваждение» С. С. Прокофьева, «Basso ostinato» Р. К. Щедрина) или автономного (пассакалия А. Берга из «Воццека»). Своего рода кульминацией остинатности как принципа композиции стал сериализм западных авангардистов середины XX века (К. Гуйвартс, О. Мессиан, П. Булез и другие). Во второй половине XX века и начале XXI века все разновидности остинато широко использовали американские (Стив Райх, Филипп Гласс, Джон Адамс) минималисты и их европейские последователи.
Пьеса, написанная с использованием остинато, сочетаясь со свободным развитием в других голосах, выполняет важную формообразующую роль. Остинато легко идентифицируется слухом благодаря неоднократному возобновлению. В композиторской практике встречаются строгие и нестрогие остинато, во втором случае повторяемая гармоническая / мелодическая / ритмическая формула варьируется.