Фильм Фауст (1926): описание, содержание, интересные факты и многое другое о фильме
Faust
РежиссерФридрих Вильгельм МурнауАктерыГеста Экман, Эмиль Яннингс, Камилла Хорн, Фрида Рихард, Уильям Дитерле, ещеВ центре сюжета извечное противостояние добра и зла. Сатана спорит с Архангелом Михаилом, что сможет совратить любого человека, на которого ему укажут.
Выбор падает на Фауста, пожилого ученого-алхимика, очень известного человека. С легкой руки демона на его город обрушивается чума, ежедневно унося тысячи жизней. Отчаявшись, мужчина вынужден прибегнуть к помощи дьявола. Эпидемия отступает, но злые силы никогда так просто не отпускают тех смертных, кто однажды имел с ними дело.
Сможет ли Фауст устоять перед соблазнами Сатаны?ПродюсерЭрих ПоммерКомпозиторыВольфганг Даунер, Вернер Р.
Хейманн, Эрно Рапи, ещеМонтажЭлфи БётрихОператорКарл ХоффманнСценаристыГерхарт Гауптман, Ганс Кизер, Иоганн Вольфганг фон ГётеХудожникиРоберт Херлт, Вальтер Рёриг, Жорж Анненков
- Фридрих Мурнау, режиссер фильма, после окончания работы над ним навсегда уезжает в США.
- Фильм «Фауст» вдохновлен одноименным произведением Иоганна Гете и старинной германской легендой.
Осторожно, текст может содержать спойлеры!
Фильм начинается с диалога Архангела Михаила и Сатаны. Они решили заключить пари. Условия максимально просты: верховный демон должен совратить человека, на которого ему укажут ангелы. Им оказывается Фауст — известный алхимик и уважаемый пожилой человек.
Демон начинает действовать. Он насылает на город, где живет мужчина, эпидемию чумы. Болезнь убивает десятки тысяч людей ежедневно. Ученый пытается найти лекарство, но у него ничего не получается. После многих неудачных попыток Фауст впадает в отчаяние. Тут к нему и является Сатана в обличии Мефистофеля.
Поддавшись уговорам дьявола, мужчина меняет свою душу на способность оживлять мертвых. Он спасает людей и завоевывает славу героя. Однако демон решает спутать все карты, подсунув девушку с крестом в руках. Черная магия бессильна против освященных вещей. Бедный ученый еле смог унести ноги от разъяренной толпы.
Позже Мефистофель предлагает ему другую сделку. К Фаусту возвращается молодость Вдвоем они отправляются в далекую страну, где в него влюбляется местная правительница. Какое-то время алхимик живет с ней, но потом просит вернуть его обратно.
Оказавшись в родном городе, Фауст посещает собор. Там он встречает Гретхен, и это любовь с первого взгляда. Сатана делает все, чтобы не дать им жить счастливо. Их приговаривают к сожжению на костре. Влюбленные умирают, но демон так и не смог выиграть пари, ибо любовь аннулирует договор.
Пейзажи старой Англии на картинах художника Джона Констебла
Джон Констебл (1776-1837) — английский художник пейзажист, представитель британского романтизма.
Отец Джона был состоятельным человеком, занимался торговлей кукурузой, имел мельницы и собственный корабль для перевозки кукурузной муки. Старший сын был умственно неполноценным и отец рассчитывал, что Джон унаследует кукурузный бизнес.
Дом на кукурузном поле. 1817 г.
У Джона с раннего детства пробудилась тяга к рисованию. Он много времени проводил гуляя по окрестностям Саффолка, где жила семья Констебл, делал наброски, мечтал.
Пашня. 1826 г.
В 1799 году, Джон, с согласия отца, поступил учиться в школу Королевской академии живописи, а кукурузным бизнесом занялся младший брат Джона — Абрам.
Во время учебы Констебл подробно изучает и копирует работы старых мастеров: Томаса Гейнсборо, Клода Лоррена, Питера Пауля Рубенса, Аннибале Карраччи и Якоба ван Рейсдала.
Мельница в Джиллингеме. 1825 г.
В 1802 году Джон Констебл решает стать профессиональным пейзажистом, при этом отказывается от хорошо оплачиваемой должности преподавателя рисования в военном колледже Грейт-Марлоу.
Но увы, написанные Джоном Констеблом пейзажи плохо продавались. Чтобы зарабатывать деньги художник был вынужден писать портреты и картины на религиозные темы. Джон считал эту работу скучной, но она позволяла свести концы с концами.
Ферма в долине. 1835 г.
В 1809 году Джон женился на Марии Бикнелл, с которой дружил с детства. Родители Марии были против этого брака, так как не верили, что Джон Констебл сможет содержать семью. Они даже угрожали лишить Марию наследства, но не смотря на все препятствия свадьба все таки состоялась.
В 1819 году художнику удалось удачно продать первый большой пейзаж «Белая лошадь». За свою жизнь в Англии художник смог продать всего около 20 пейзажей, в то время, как за границей его картины охотно покупались, и его имя стало известно многим ценителям английского пейзажа.
Белая лошадь.
1828 году после рождения седьмого ребенка тяжело заболела жена художника и вскоре умерла. Не задолго до смерти Марии умер ее отец, который оставил ей наследство в 20 тысяч фунтов стерлингов.
РЕСТАВРАЦИЯ
- РУБЕНС.
- ОТЦЕЛЮБИЕ РИМЛЯНКИ
- Roman Charity
- 5. ГЭ 470
Холст, масло, переведена с дерева А.Митрохиным в 1846 г. 140,5х180,3. Следы горизонтальных склеек и трещин.
Живопись на рентгенограмме из-за густого слоя нового грунта почти не просматривается.
Сюжет заимствован из книги римского писателя I в. Валерия Максима «Замечательные дела и речи», кн.5, гл.IV – «О любви к родителям, к братьям и к родине».
Рассказ Валерия Максима о молодой женщине Перо, которая спасла своего отца Кимона, приговоренного к голодной смерти, кормя его грудью, восходит к более древним, эллинистическим источникам. Рисский автор описывает виденную им картину на эту тему.
Нам известны соответствующие помпеянские фрески, приблизительно современные Валерию Максиму; в надписи на одной из них дана правильная греческая форма имени отца – Микон.
ОТЦЕЛЮБИЕ РИМЛЯНКИ. Помпеянская фреска. ROMAN CHARITY. Pompeian fresco.
При поступлении картина числилась работой Рубенса. В описи 1773-1783 гг., у Шницлера в 1828 г. и у лабенского в 1838 г. она расценена как один из шедевров художника. Однако в 1842 г. Смит, а затем при поседении Эрмитажа в 1861 г.
Ваген определили ее как копию, и она надолго была убрана в запасы. В 1902 г. Сомов, приняв указание Боде в письме от 16 июня 1893 г., снова включил картину в экспозицию как работу Рубенса. Розес, в 1890 г. считавший картину копией, в 1905 г.
также признал ее подлинность.
Эрмитажная композиция – самое раннее обращение мастера к данной теме, один из наиболее совершенных образцов так называемого классицистического периода в творчестве Рубенса.
Композиция картины Рубенса «Юпитер и Каллисто» (Кассель, Картинная галерея), подписанной и датированной 1613 г., представляет собой полную аналогию «Отцелюбию римлянки» в Эрмитаже; только в кассельской картине взаимодействие фигур несколько усложнено и группа включена в пейзаж.
РУБЕНС. Юпитер и Каллисто. Кассель, Картинная галерея.
История картины: в посмертной описи имущества Рубенса под № 141 значится картина «История дочери, дающей грудь своему отцу в темнице». Кем она была приобретена – неизвестно.
В конце XVII в., согласно надписи на гравюре К.ван Каукеркена, картина, послужившая ей оригиналом, находилась во владении епископа города Брюгге Карла Ван ден Босха.
В Амстердаме на аукционе собр.принцев Оранских в замке Лоо была продана в 1713 г. неизвестно кому картина Рубенса на эту тему; описание ее отсутствует, неизвестно также и время ее поступления в коллекцию.
Следует ли считать, что эти упоминания относятся к эрмитажной картине или какому-нибудь варианту ее – не ясно.
Приобретена в 1768 г. на собр.Кобенцля в Брюсселе.
Более полные сведения о картине, исследованиях, повторениях, гравюрах, вариантах, а также старые эрмитажные номера и литературу см. в книге: М. Варшавская. КАРТИНЫ РУБЕНСА В ЭРМИТАЖЕ. Издательство «Аврора». Ленинград. 1975.
Опера «Фауст» за авторством Шарля Гуно в исполнении Ростовского музыкального театра
Для тех, кто читает не только новости политики, но и искусства, далеко не секрет, что не так давно прошло уникальное событие в мире театра. На исторической сцене Большого театра в Москве выступал состав Ростовского музыкального театра. Никогда прежде приезжий состав не выступал на ней. Пожалуй, это уже говорит о том, какого качества должны быть постановки этого театра.
На постановку, удостоившуюся приглашения на историческую сцену, смог попасть и я. Это опера «Фауст» за авторством Шарля Гуно. Честно говоря, я возлагал большие надежды на эту оперу.
Моё предыдущее знакомство с Фаустом обернулось большим разочарованием, однако прошло достаточно времени, чтобы я задумался — может, я чего-то недопонял? Может быть, там всё-таки есть некий тайный смысл, который мне ранее не открылся?
Обратите внимание
Что ещё несколько настораживало перед началом — тот факт, что это французская опера. То есть петь будут наши актёры, но язык — французский. Так как же?..
Однако оказалось, что в театре уже давным давно решён этот вопрос небольшим экраном, на котором высвечивают русские субтитры. Решение неоднозначное, поскольку вынуждает переводить взгляд со сцены на него и обратно.
Но альтернативой является наблюдение вообще без перевода.
Опера имеет отличия в сравнении с трагедией Гёте. Если вкратце, то опера фокусируется на отношениях Фауста и Маргариты.
Омоложение Фауста происходит моментально, путешествие в Античный мир опущено, а Вальпургиева ночь догоняет героев уже в Аду. Честно говоря, все эти изменение, в общем-то и к лучшему, пожалуй.
Как вид музыкально-драматического произведения, опера отличается большим вниманием как к музыке, так и к костюмам и декорациям. О каждом аспекте стоит сказать отдельно
Музыка в пьесе потрясающа. Мягкое и неспешное повествование сменяется быстрыми пассажами. Я право, не смогу подобрать подходящие слова, потому что опять же, это оркестровая музыка, всю полифонию которой не передаст никакой dolby surround. Впрочем, кое-какое подобие этого я всё же раздобыл, так что слушайте чуть ниже.
Что касаемо костюмов, то это, конечно, сложно было разглядеть с высоты, на которую я забрался для ознакомления с постановкой. Всё же не заметить пышность костюмов Фауста, или достоверность костюмов обываетелей средневекового городка, довольно сложно.
Важно
Декорации в постановке были использованы крайне умело. Как заметила знакомая lacrosa, декорации «современны, лаконичны и точно передают атмосферу» (http://lacrosa.livejournal.com/1234.html). Сложно подобрать более точные слова для описания. В руках специалистов беседка из одного акта превращается в тюремную клетку в другом.
Я должен признаться, впрочем, что моего отношения к Фаусту опера не изменила. Я по прежнему не понимаю, что в этом сюжете находят такого вдохновляющего. Впрочем, вместе с katova и ещё одним замечательным человеком на днях размышляли над тем, что Фауст — это поиск духовного. Попытка закрыть гешефт в отношении материального. И много чего другого. И тем не менее.
Ах да, и как же не упомянуть балет в финале оперы, ту самую Вальпургиеву ночь в исполнении демонов и демонесс. Вот тут точно надо видеть, это чистое зрелище для глаз и ушей.
Однако я не могу не восхищаться тем, как наш Ростовский музыкальный театр круто смог поставить эту оперу. Сделано это очень красиво и звучно. В общем, и целом, рекомендовано всем, кто оценил оригинальную пьесу.
P.S.:
P.S.: Только учтите заранее, что вместе с антрактом опера длится около 4 часов.
Эдвард Мунк «Поцелуй». Описание картины
Для Мунка характерным было возвращение при написании картин к уже проработанным сюжетам. Не стало исключением и полотно «Поцелуй». Время написания первых его вариантов относится к началу 1890-х годов, но наибольшую известность получила работа, законченная в 1897 году. Именно она стала частью цикла картин «Фриз жизни».
Мрачная и отталкивающая с одной стороны, она в то же время захватывает все внимание зрителя, заставляя подолгу рассматривать каждую грань полотна в надежде раскрыть тайны его притягательности. Между тем сюжет необычайно прост и до Мунка был привлекателен художникам всех эпох
Особенно оценили бы его мастера кокетливой эпохи рококо. Отгородившись от мира тонкой занавеской, влюбленная пара слилась в страстном поцелуе
Между тем сюжет необычайно прост и до Мунка был привлекателен художникам всех эпох. Особенно оценили бы его мастера кокетливой эпохи рококо. Отгородившись от мира тонкой занавеской, влюбленная пара слилась в страстном поцелуе.
В свете сумерек эти двое наслаждаются друг другом, позабыв обо всем на свете.
Порыв страсти, эмоциональный накал исходят от них электрическими волнами, которые мастеру удалось отразить на холсте с помощью характерного искажения пространства.
Художник сознательно не прописывает лица и тела влюбленных. Разве для любви важны черты лица и силуэты фигуры, положение в обществе и достаток? Только эмоции, только чувства, переживания и накал страстей – любовь, по мнению художника, должна существовать только на духовном уровне.
Цветовая гамма работы не отличается разнообразием, и редкие цветовые акценты в несколько раз усиливают темпераментность полотна. Так, обозначив ярким оранжевым цветом детали женской одежды, Мунк создал атмосферу таинственности и некоторой фантастичности происходящего.
Скупость цветовой палитры картины компенсируется выразительностью линий, пластичностью и грациозностью фигур, размытых очертаний слившихся в единое целое лиц.
Только крохотный кусочек открытого окна напоминает о существовании общества – безликого, пустого социума.
Общества, в котором живут маленькие, никчемные, но довольные собой человечки, как тот, что горделиво вышагивает на улице за чуть приоткрытой занавеской.
Картина норвежского художника-экспрессиониста Эдварда Мунка «Поцелуй» 1897 г. Холст, масло. 99 x 81 см. Музей Мунка, Осло, Норвегия
Климт «Поцелуй». Описание картины
Картина «Поцелуй» является одним из самых известных произведений Густава Климта. Оно относится к «золотому» периоду творчества художника и в полной мере отражает все особенности данного этапа. Название «золотой» связано прежде всего с техникой работы, которая преобладала в это время. Климт активно использовал оттенки золотого, работал с сусальным золотом. В соответствии с этим, преобладающим цветом на картине «Поцелуй» является золотой. Такой оттенок занимает большую часть полотна.
Картина символична и даже несколько схематична. Сюжет довольно прост. В центре полотна изображены две фигуры, стоящие на краю скалы. Мужчина наклонился к женщине, чтобы поцеловать ее.
Пара абсолютно отделена от всего, что ее окружает, молодые люди увлечены друг другом. Примечательно, что никакие детали больше не видны, их просто нет.
Да и зритель оказывается несколько отстраненным, сторонним наблюдателем.
Оригинальность картины и в необычном целостности фигур. Кажется, что мужчина и женщина слились воедино, стали одним целым. Однако автор все же разделил их с помощью различного орнамента.
Причем исследователи отмечают, что узоры подобраны художником в соответствии с полом героев. Фигура мужчины изображена с помощью четких, строгих форм и оттенков.
Женщина же выделена посредством более мягкого, утонченного орнамента.
Фон картины также выполнен с использованием оттенков золотого. Вкрапления этого цвета напоминают мерцающие звезды. Этот эффект подчеркивает ощущение, будто герои стоят не просто на краю скалы, но на краю вселенной, одни в целом мире. Это впечатление усиливается также плавным перетеканием одних линий и форм в другие.
Полотно «Поцелуй» выделяется в общем ряду работ Климта
Большая часть его картин посвящена обнаженной натуре, в «Поцелуе» же любовь изображена целомудренной, нежной, особое внимание уделено одежде. Однако популярная во времена создания картины теория Фрейда все же нашла свое отражение в полотне
Характерно, что лицам героев картины художник уделил мало внимания. Если лицо женщины видно зрителю, то лицо мужчины скрыто. Однако накал чувств, буря эмоций чувствуется в позе влюбленных. Примечательна отрешенная фигура женщины, которая буквально дышит покорностью, и страстная, трепетная фигура мужчины.
Исследователи предполагают, что в основе картины «Поцелуй» автобиография художника. Считается, что в образе женщины, Климт воплотил черты Эмилии Флеге, которая сыграла важную роль в жизни художника.
Творчество Констебла
Констебл, Констебль Джон (1776-1837), английский живописец. Констебл сложился, в основном, самостоятельно, изучая произведения Якоба ван Рейсдала, Никола Пуссена, Клода Лоррена, Томаса Гейнсборо. Работал в Лондоне и Суффолке.
Отказавшись от многих условностей, свойственных пейзажной живописи 18 века, Констебл обратился к непосредственному наблюдению природы, первым из европейских мастеров стал писать пейзажи полностью с натуры.
Свои картины, простые по мотивам, естественные и вместе с тем величественные по композиции, полные ощущения гармонического единства природы, Констебл писал на основе исполненных им на открытом воздухе этюдов, смелыми беспокойными мазками воссоздавая свежесть и живую динамику красок, градации света, изменчивое состояние световоздушной среды (“Мельница в Флэтфорде”, “Телега для сена”, “Собор в Солсбери из сада епископа”, “Детхэмская долина”,). Новаторское творчество Констебла, предвосхитившее искания европейского искусства 2-й половины 19 века в области пленэра, не получило признания на родине художника. Картины Джона Констебла были впервые по достоинству оценены во Франции, где были выставлены в парижском Салоне 1824 года и оказали существенное влияние на сложение барбизонской школы.
Джон Констебл родился и вырос в деревне Ист-Бергхолт, расположенной в живописной Дедхемской долине на юго-востоке Англии. Целые дни он проводил на принадлежавшей его отцу мельнице, которая стояла на реке Стур, а в свободное время рисовал.
В 1795 г. Констебл сделал первую попытку стать профессиональным художником: уехал в Лондон, работал в гравёрной мастерской, но успеха не достиг. Он возвратился домой и через четыре года вновь отправился в столицу. Удача улыбнулась молодому человеку — Констебл поступил в школу при Королевской академии искусств. В 1802 г. в академии была впервые выставлена его работа, названная «Пейзаж».
Живя постоянно в Лондоне, Констебл каждое лето приезжал в родные места и много работал с натуры. Он был первым художником XIX в., в творчестве которого этюд не менее важен, чем законченная в мастерской картина. Констебл писал маслом маленькие этюды, на которых показывал знакомые ему с детства места.
Художник создал серию видов реки Стур, неоднократно изображал стоявшую на ней мельницу.. В таких работах, как «Мельничный поток» (1811 г.), «Плотина и мельница в Дедхеме» (1820 г.
), Констебл предстаёт смелым и независимым мастером.
В 20-е гг.
художник продолжал писать этюды с натуры, перерабатывая их затем в выставочные полотна, в которых он пытался сохранить свежесть натурных впечатлений и одновременно стремился к большей законченности.
За одну такую картину — «Белая лошадь» (1819 г.) — Констебл получил звание академика, правда, случилось это лишь через десять лет после того, как полотно было создано и выставлено в академии.
Этюд «Телега для сена» (1821 г.) Констебл повторил в том же году в большой картине: он изобразил уже знакомую зрителю мельницу, мимо которой бежит речной поток, пропадая в лесной глуши. Написанный с натуры этюд несёт ощущение свежести и непосредственности восприятия.
Он выполнен свободно, краски положены густо и неровно, в нём много неба, воздуха, воды. Кажется, что можно услышать шум реки и шелест листьев.
Законченный вариант выглядит суше, здесь нет свободы кисти, так как художник стремился к точной передаче деталей и завершённости композиции.
Работы Констебла привлекли внимание французского художника Теодора Жерико, который побывал в Англии в начале 20-х гг. Вернувшись в Париж, он рассказал о потрясении, которое пережил, увидев полотна Констебла
В результате один французский торговец картинами приобрёл у мастера три работы. Сначала они были выставлены у торговца, а затем в 1824 г. в парижском Салоне. Французские художники и любители искусства пришли в восхищение от этих пейзажей.
Констебл получил золотую медаль Салона.
Масштаб персонажей картины несоизмерим с масштабом природы — с бескрайним облачным небом и бесконечным сельским пейзажем.
Картина удивительно передаёт ощущение летнего полдня, когда в поле царит яркое солнце, а лесная чаща манит прохладной тенью.
Творчество Джона Констебла до XX столетия оставалось незамеченным на родине, но оказало огромное влияние на развитие французской живописи. Французские мастера XIX в. собирали его полотна, изучали их, восторгались живописной техникой и полностью разделяли преклонение английского пейзажиста перед Природой.
Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском:
Флора
«Флора» — картина итальянского художника позднего Ренессанса Тициана, датируемая приблизительно 1515-1517 годом и ныне хранящаяся в Галерее Уффици во Флоренции. Работа Тициана была воспроизведена в многочисленных офортах XVI века. Позднее картина принадлежала неизвестным владельцам из Брюсселя и Вены.
В XVII веке была продана испанским послом в Амстердаме Леопольду Вильгельму Австрийскому и была отображена в картине Рембрандта в его «Саскии в образе Флоры» (Лондон) и в двух портретах, хранящихся в Дрездене и Нью-Йорке. Позднее картина была включена в собрание Музея истории искусств Вены, и была одной из картин, участвовавших в обмене с Галереей Уффици, где и хранится с 1793 года.
В XVIII веке картина ошибочно приписывалась кисти Джакомо Пальма старшего.
Тициан. «Флора»
Картина выдающегося художника Тициана Вечеллио относится к эпохе Высшего, или Позднего, Возрождения. И до нынешних времён она вызывает разногласия в среде искусствоведов.
Первоначально автором шедевра считался другой известный художник того времени, но после глубоких исследований авторство Тициана было признано большинством. А вот многочисленные попытки установить личность изображённой девушки так и не увенчались успехом.
Героиня произведения – прекрасная молодая женщина. Красоту её можно назвать идеалом того времени. У девушки правильные черты лица, а пышные волосы с золотым отливом струятся по бледным плечам. Слегка наклонив милое лицо с нежным румянцем, героиня устремила задумчивый взгляд своих очаровательных глаз мимо зрителя, в даль, видимую ей одной. Губы девушки слегка улыбаются её потаённым мечтам.
В одежде красавицы преобладают бледно-розовые тона. С левого плеча ткань слегка соскакивает, и девушка неосознанно поправляет её левой рукой. В правой же руке она держит букетик весенних цветов, как бы протягивая его зрителям. К этому чудному образу как нельзя лучше подходит название картины «Флора» – ведь так легко представить богиню весны и цветов такой.
Многие исследователи полагают, что на полотне изображена невеста перед бракосочетанием, т.к. именно такая одежда в то время символизировала чистоту и непорочность.
Другие учёные утверждают прямо противоположное – они видят в этой женщине распущенную куртизанку.
Но всё же общее окружение и античные мотивы неизменно отсылают нас к римской богине весны. Видимо, чувственный облик и истинная женственность, присутствующая в каждой черте, и притягивают толпы поклонников к этому неизменно прекрасному полотну.
Произведение Тициана Вечеллио «Флора» 1515-1517 гг.
Вокруг картины «Флора» выдающегося венецианского художника эпохи Высокого или, по-другому, Позднего Возрождения Тициана уже давно не утихают споры. Изначально авторство данного шедевра приписывали другому известному художнику той поры, однако затем исследователи сошлись во мнении, что полотно все-таки принадлежит кисти Тициана.
- Перейдём к разбору картины.
- «Флора»
- О картине:
Это цветущая молодая женщина необычайной, даже несколько идеализированной красоты. У нее длинные золотистые волосы, волной спадающие на женственные плечи, и нежная светлая кожа.
Голова девушки наклонена, прекрасное со здоровым румянцем лицо задумчиво, мечтательный взгляд темных бархатных глаз направлен в сторону, а на губах застыла некая полуулыбка.
Весь ее облик говорит о том, что красавица поглощена своими мыслями.
И в то же время лицо ее словно светится изнутри каким-то таинственным огнем. Свою спадающую с одного плеча бледно-розовую одежду женщина поддерживает левой рукой. Правой рукой дама как бы протягивает нам свой букетик весенних цветов. Именно поэтому картина носит название «Флора» – имя древнеримской богини весны и цветов.
Кто изображен на картине?
О том, кто изображен на представленной картине спорят издавна.
Появилась мысль отождествить запечатленную девушку с Флорой. И весь облик этого юного, цветущего, мечтательного существа с распущенными волосами, в спадающей с одного плеча белой рубашке и вправду ассоциируется с античной богиней.
В то же время это — портрет реально жившей венецианки, с золотистыми, по тогдашней моде, волосами и светлой бархатистой кожей. Вполне возможно, что молодой Тициан рисовал ее, фантазируя на тему античности, и получился живой, полнокровный и одновременно приподнятый над реальностью образ.
Никола Пуссен — Аркадские пастухи
Заказчиком этой картины был кардинал Ришелье.
После смерти художника полотно приобрел король Людовик четырнадцатый, но в течение целых 20 лет держал в своих внутренних покоях и показывал только избранным.
Может быть, картина навевала на него мрачные настроения? Или он полагал, что это зашифрованное послание потомкам королевской династии? Какую же тайну хранит полотно Никола Пуссена «Аркадские пастухи»?
Творчество этого французского художника 17 века трудно отнести к какому-то одному направлению. Никола Пуссен всю жизнь находился в поиске, пробовал себя в стиле классицизма и барокко, писал мифологические сцены, рисовал пейзажи. «Я не большой любитель перемен» — признавался художник — «Я просто люблю риск, который связан с этими переменами».
Картина «Аркадские пастухи» написала уже зрелым мастером, который интересовался учением античных философов и размышлял о смысле жизни и неотвратимости смерти. Впервые он обратился к сюжету с пастухами, когда ему было около тридцати, и спустя годы вернулся к нему вновь. На обеих картинах Пуссена изображены молодые люди, которые рассматривают древнее надгробие.
На нем латинским шрифтом высечена эпитафия «И в Аркадии я есть».
Возможно герои картины Пуссена, жители беззаботной Аркадии, при виде одинокой могилы впервые задумались о том, что человек смертен. Один пастух внимательно вчитывается в надпись, другой, задумавшись, склонил голову, третий, показывая на каменное надгробие, вопросительно и тревожно смотрит на свою спутницу.
Её фигура спокойна и величественна, женщина философски относится к смерти, понимая её неизбежность. Этот персонаж воплощает элегическое настроение, которое, вероятно, и хотел выразить Пуссен своей картиной.
Композиция полотна проста и упорядочена, все подчинено законам классической красоты: холодный цвет неба и теплые тона переднего плана, красота обнаженного человеческого тела на фоне камня. Все это вызывает ощущение покоя и душевного равновесия.
Возможно, Пуссен хотел разрушить безмятежное настроение героев и заставить их задуматься о грядущих страданиях. Если верить современным охотникам за тайнами, картина Пуссена — это мистическое послание потомкам древней династии, восходящей к самому Иисусу Христу. А Аркадия это отсылка к городу Арк, где династия хранит Священный Грааль.
Поздняя версия картины Пуссена могла появиться, чтобы уточнить зашифрованное послание. Как было на самом деле неизвестно. Два столетия спустя был возведен монумент по мотивам картины, но почему-то изображение дано в зеркальном отображении, а латинское выражение заменено набором букв.
Расшифровать загадочные буквы пытались многие, в их числе и Чарльз Дарвин, но удалось разобрать только три слова: «Пуссен хранит ключ».
Камерная музыка Мендельсона
Очень много при жизни Мендельсона исполнялись его вокальные произведения. Часть из них самим автором предназначалась для исполнения «под открытым небом».
Мендельсон писал для человеческого голоса просто, благородно, приближаясь к народной строфической форме. Его идеалом была народная песнь.
Поэтому его вокальные квартеты получили широчайшее распространение среди любителей в эпоху подъема немецкого национализма.
Камерная музыка Мендельсона в настоящее время почти совершенно забыта, за исключением мелодического фортепианного трио и одного, максимум двух квартетов. В фортепианной музыке также сказывается основной недостаток Мендельсона. В ней мало живости и сочности звука.
Фортепианную технику Мендельсон ничем особым, за исключением разве многоголосных пассажей стаккато, не обогатил. Наибольшее историческое значение имеют его «песни без слов» для фортепиано, из коих часть еще вполне жизнеспособна и в наши дни.
В них Мендельсон создал совершенно новый жанр небольших фортепианных пьес, однотемных, мелодически гибких и цельных по своему поэтическое настроению.
Обратите внимание
Самым ценным из всего им написанного является его скрипичный концерт, вызывавший и вызывающий поныне восторг не столько виртуозной своей разработкой, сколько своей мелодичностью, интенсивностью переживания.
Культурнейший и образованнейший музыкант своего времени, Мендельсон был одним из наиболее влиятельных композиторов XIX века.
Через его школу прошло целое поколение мастеров, и только яростные и резкие нападки Вагнера до известной степени приостановили это влияние. Необычайно велика была его популярность в России, где произведения Мендельсона стали исполняться с 30-х годов.
Серов, например, называет его лучшим композитором послебетховенского времени. Последователем Мендельсона был А. Рубинштейн, но и более поздние русские симфонисты, Чайковский, Глазунов, увлекались изяществом и формальной законченностью Мендельсона.
Если Мендельсон, о котором остро наблюдательный Гейне сказал, что «убежденное безразличие ко всему окружающему — его типичная черта», был характерным выразителем уравновешенно спокойной, накопляющей крупной буржуазии, то Роберт Шуман, бывший всего на год моложе его, должен быть отнесен к музыкальным представителям радикально настроенной мелкой буржуазии 40-х годов, хотя сочинять он начал значительно раньше.