Творческий путь
Творческий путь Бетховена делится на три периода. На раннем периоде в музыке Бетховена ощущается стиль его предшественников — Гайдна и Моцарта, но в более новом направлении. Главные сочинения этого времени:
- первые две симфонии,
- 6 струнных квартетов,
- 2 концерта для фортепиано,
- первые 12 сонат, самая известная из них Патетическая.
В среднем периоде Людвиг ван Бетховен очень переживал из-за своей глухоты. Все свои переживания он перенёс в свою музыку, в которой ощущается экспрессия, борьба и героизм. В это время он сочинил 6 симфоний и 3 фортепианных концерта и концерт для фортепиано, скрипки и виолончели с оркестром, струнные квартеты и скрипичный концерт. Именно в этот период своего творчества была написана Лунная соната и Аппассионата, Крейцерова соната и единственная опера — Фиделио.
В позднем периоде творчества великого композитора в музыке появляются новые сложные формы. Четырнадцатый струнный квартет имеет семь взаимосвязанных частей, а в последней части 9 симфонии добавляется хоровое пение. В этот период творчества написаны Торжественная Месса, пять струнных квартетов, пять сонат для фортепиано. Музыку великого композитора можно слушать бесконечно. Все его сочинения уникальны и оставляют у слушателя хорошее впечатление.
Произведения Бетховена
В произведениях последнего периода имитационная полифония фигурирует как составной элемент разработок (фортепьянная соната № 28), как начальная или заключительная часть цикла (фортепьянные сонаты № 29, 31, квартет № 14). Большое значение приобретает контрастная (неимитационная) полифония. Так, в Allegretto из 7-й симфонии тема и контрапункт образуют мелодическое «двуединство», обладающее совершенно особой, глубоко проникновенной экспрессией.
Богатый материал для изучения творческого метода Бетховена дают наброски и эскизы, которые сохранились в его музейном архиве (св. 7500 листов). Большой биографический интерес представляют т. н. разговорные тетради, которыми Бетховен пользовался для ведения бесед с момента наступления полной глухоты (1818). Наследие Бетховена изучали русские музыканты; упоминания о его произведениях часто встречаются в русской классической литературе и литературной критике.
История создания
Рождение Пасторальной симфонии приходится на центральный период творчества Бетховена. Почти одновременно из-под его пера вышли три симфонии, совершенно разные по характеру: в 1805 году он начал писать героическую по складу симфонию до минор, известную теперь под № 5, в середине ноября следующего года закончил лирическую Четвертую, си-бемоль-мажорную, а в 1807 году принялся за сочинение Пасторальной. Законченная одновременно с до-минорной в 1808 году, она резко от нее отличается. Бетховен, смирившийся с неизлечимым недугом — глухотой, — здесь не борется с враждебной судьбой, а прославляет великую силу природы, простые радости жизни.
Как и до-минорная, Пасторальная симфония посвящена покровителю Бетховена, венскому меценату князю Ф. И. Лобковицу и русскому посланнику в Вене графу А. К. Разумовскому. Обе они впервые прозвучали в большой «академии» (то есть концерте, в котором исполнялись произведения только одного автора им самим как инструменталистом-виртуозом или оркестром под его управлением) 22 декабря 1808 года в Венском театре. Первым номером программы значилась «Симфония под названием „Воспоминание о сельской жизни“, фа мажор, № 5». Лишь некоторое время спустя она стала Шестой. Концерт, проходивший в холодном зале, где публика сидела в шубах, успеха не имел. Оркестр был сборным, невысокого уровня. Бетховен на репетиции рассорился с музыкантами, работал с ними дирижер И. Зейфрид, а автор лишь руководил премьерой.
Пасторальная симфония занимает особое место в его творчестве. Она программна, причем, единственная из девяти, имеет не только общее название, но и заголовки к каждой части. Частей этих не четыре, как давно утвердилось в симфоническом цикле, а пять, что связано именно с программой: между простодушным деревенским танцем и умиротворенным финалом помещена драматическая картина грозы.
Бетховен любил проводить лето в тихих деревушках в окрестностях Вены, бродить по лесам и лугам от зари до зари, в дождь и солнце, и в этом общении с природой возникали замыслы его сочинений. «Ни один человек не может любить сельскую жизнь так, как я, ибо дубравы, деревья, скалистые горы откликаются на мысли и переживания человека». Пасторальная, которая, по словам самого композитора, рисует чувства, рождающиеся от соприкосновения с миром природы и сельской жизни, стала одним из наиболее романтических сочинений Бетховена. Недаром в ней видели источник своего вдохновения многие романтики. Об этом свидетельствуют Фантастическая симфония Берлиоза, Рейнская симфония Шумана, Шотландская и Итальянская симфонии Мендельсона, симфоническая поэма «Прелюды» и многие фортепианные пьесы Листа.
Музыка
Первая часть открывается широким величественным вступлением, самым углубленным и развернутым из написанных Бетховеном. Неуклонное, хотя и медленное нарастание подготавливает последующую поистине захватывающую картину. Тихо, еще затаенно звучит главная тема с се упругим, словно туго скрученная пружина, ритмом; тембры флейты и гобоя придают ей черты пасторальности. Современники упрекали композитора за слишком простонародный характер этой музыки, ее деревенскую наивность. Берлиоз увидел в ней рондо крестьян, Вагнер — крестьянскую свадьбу, Чайковский — сельскую картину. Однако в ней нет беззаботности, легкого веселья. Прав А. Н. Серов, употребивший выражение «героическая идиллия». Особенно ясно это становится, когда тема звучит во второй раз — уже у всего оркестра, с участием труб, валторн и литавр, ассоциируясь с грандиозными массовыми плясками на улицах и площадях революционных французских городов. Бетховен упоминал, что, сочиняя Седьмую симфонию, представлял себе вполне определенные картины. Может быть, это и были сцены грозного и неукротимого веселья восставшего народа? Вся первая часть пролетает как вихрь, словно на одном дыхании: единым ритмом пронизаны и главная и побочная — минорная, с красочными модуляциями, и фанфарная заключительная, и разработка — героическая, с полифоническим движением голосов, и живописно-пейзажная кода с эффектом эха и перекличкой лесных рогов (валторны). «Нельзя передать словами, до чего это бесконечное разнообразие в единстве изумительно. Только такие колоссы, как Бетховен, могут справиться с подобной задачей, не утомив внимания слушателей, ни на минуту не охладив наслаждения…» — писал Чайковский.
Вторая часть — вдохновенное аллегретто — одна из замечательнейших страниц мирового симфонизма. Снова господство ритма, снова впечатление массовой сцены, но какой контраст по сравнению с первой частью! Теперь это ритм траурного шествия, сцена грандиозной похоронной процессии. Музыка скорбная, но собранная, сдержанная: не бессильная скорбь — мужественная печаль. В ней — та же упругость туго скрученной пружины, что и в веселье первой части. Общий план перемежается более интимными, камерными эпизодами, сквозь основную тему словно «просвечивает» нежная мелодия, создавая светлый контраст. Но все время неуклонно выдерживается ритм маршевой поступи. Бетховен создает сложную, но необыкновенно стройную трехчастную композицию: по краям — контрапунктические вариации на две темы; в середине мажорное трио; динамическая реприза включает фугато, приводящее к трагической кульминации.
Третья часть — скерцо — воплощение буйного веселья. Все мчится, стремится куда-то. Мощный музыкальный поток полон бушующей энергии. Дважды повторенное трио основано на австрийской песне, записанной самим композитором в Теплице, и напоминает наигрыш гигантской волынки. Однако при повторении (tutti на фоне литавр) звучит как величественный гимн огромной стихийной силы.
Финал симфонии представляет собой «какую-то вакханалию звуков, целый ряд картин, исполненных беззаветного веселья…» (Чайковский), он «воздействует опьяняюще. Льется огненный поток звучаний, как лава испепеляя все, что ему противится и встает на пути: пламенная музыка увлекает за собой безоговорочно» (Б. Асафьев). Вагнер называл финал дионисийским празднеством, апофеозом танца, Роллан — бурной кермессой, народным праздничным гуляньем во Фландрии. Поразительно слияние самых разных национальных истоков в этом буйном круговом движении, объединяющем ритмы танца и марша: в главной партии слышатся отголоски плясовых песен Французской революции, в которые вкрапливается оборот украинского гопака; побочная написана в духе венгерского чардаша. Таким празднеством всего человечества заканчивается симфония.
(А. К. Кенигсберг, Л. В. Михеева. 111 симфоний)
См. также:
Концерт для скрипки с оркестром, op. 61, 1806 год
Это музыка для скрипки. Бетховен впервые написал законченный концерт для этого инструмента. Опыт был очень необычным. Впервые он начал работать над созданием законченных партий для скрипки в 1790 году. С тех пор он создал несколько вариантов. И до сих пор непонятно точно, является ли описываемое творение каким-то отдельным проектом или это часть более масштабного проекта.
При жизни автора этот концерт никогда не играли на широкую публику. Композитор написал его для Франца Клемента, который был директором Венского театра. В 1806 году впервые музыка была исполнена на бенефисе Клемента. Через 2 года вышло и печатное нотное издание. Но потом музыка была благополучно забыта. Она не произвела какого-то особого фурора.
В 1844 году Концерт для скрипки исполнил 12-летний Йозеф Иоахим в сопровождении оркестра Королевского филармонического общества. Это и дало сонате вторую жизнь. Ее оценили по достоинству и с тех пор начали регулярно исполнять на сцене.
Из истории симфонии
Создателем классической формы симфонии и оркестровки считается Гайдн.
Й. Гайдн
А прототипом симфонии является итальянская увертюра (инструментальная оркестровая пьеса, исполняемая перед началом какого-либо представления: оперы, балета), сложившаяся в конце XVII в. Значительный вклад в развитие симфонии внесли Моцарт и Бетховен. Этих трёх композиторов называют «венскими классиками». Венские классики создали высокий тип инструментальной музыки, в котором все богатство образного содержания воплощено в совершенную художественную форму. С этим временем совпал и процесс становления симфонического оркестра – его постоянного состава, оркестровых групп.
В.А. Моцарт
Моцарт писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, особое значение придавал опере, но большое внимание уделял и симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью. Моцарт создал более 50 симфоний
Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»)
Моцарт создал более 50 симфоний. Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»).
К. Шлоссер “Бетховен за работой”
Бетховен создал 9 симфоний, но в смысле развития симфонической формы и оркестровки он может быть назван крупнейшим композитором-симфонистом классического периода. В его Девятой симфонии, самой известной, слиты сквозной темой в одно целое все её части. В этой симфонии Бетховен ввёл вокальные партии, после чего это стали делать и другие композиторы. В форме симфонии сказал новое слово Р. Шуман.
Но уже во второй половине XIX в. строгие формы симфонии начали изменяться. Необязательной стала четырёхчастность: появилась одночастная симфония (Мясковский, Борис Чайковский), симфония из 11 частей (Шостакович) и даже из 24 частей (Хованесс). Классический финал в быстром темпе был потеснён медленным финалом (Шестая симфония П.И. Чайковского, Третья и Девятая симфонии Малера).
Авторами симфоний были Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон, И. Брамс, А. Дворжак, А. Брукнер, Г. Малер, Ян Сибелиус, А. Веберн, А. Рубинштейн, П. Чайковский, А. Бородин, Н. Римский-Корсаков, Н. Мясковский, А. Скрябин, С. Прокофьев, Д. Шостакович и др.
Багатель No. 25 ля минор, WoO 59, «К Элизе» («Für Elise»)
Пьеса-багатель (простое произведение) по популярности может сравниться с Пятой симфонией, так как ее мотив известен во всем мире и используется по сей день.
Доподлинно неизвестно, кому конкретно посвящена пьеса: ее обнаружили уже после смерти композитора.
Несмотря на то, что в рукописи имелась надпись «Элизе на долгую память», существует версия, что нашедший ее Людвиг Ноль (биограф Бетховена) просто неверно разобрал почерк.
Поэтому некоторые историки считают, что музыка могла быть написана для Терезы Малфатти, которая училась у немца, или даже для Елизаветы Алексеевны – супруги императора Александра I.
Соната для фортепиано №8, op. 13, «Патетическая»
Многие именитые музыковеды называли это знаменитое произведение «эстетическим манифестом» и «художественной декларацией, написанной с вызывающей демонстративностью». Если абстрагироваться от столь возвышенных понятий и просто слушать, то вы просто получите удовольствие.
Примечательна композиция и тем, что именно в момент ее создания Бетховен стал замечать первые симптомы развивающейся глухоты. На тот момент ему было всего 29 лет, и для музыканта это стало большим ударом.
Ходят слухи, что он даже хотел покончить с музыкой после «Патетической сонаты», но все же нашел в себе силы продолжать, не отступив от задуманного даже после того, как болезнь начала прогрессировать.
История создания
Четвертая симфония — одно из редких в наследии Бетховена лирических сочинений крупной формы. Она озарена светом счастья, идиллические картины согреты теплом искреннего чувства. Не случайно эту симфонию так любили композиторы-романтики, черпая из нее как из источника вдохновения. Шуман называл ее стройной эллинской девушкой между двумя северными исполинами — Третьей и Пятой. Закончена она была во время работы над Пятой, в середине ноября 1806 года и, по словам исследователя творчества композитора Р. Роллана, была создана «единым духом, без обычных предварительных набросков… Четвертая симфония — чистый цветок, хранящий благоухание этих дней, самых ясных в его жизни». Лето 1806 года Бетховен провел в замке венгерских графов Брунсвик. Сестрам Терезе и Жозефине, прекрасным пианисткам, он давал уроки, а их брат Франц был его лучшим другом, «дорогим братом», которому композитор посвятил законченную в это время знаменитую фортепианную сонату опус 57, называемую «Аппассионатой» (Страстной). Любовь к Жозефине и Терезе исследователи относят к наиболее серьезным чувствам, когда-либо испытываемым Бетховеном. С Жозефиной он делился самыми тайными своими мыслями, спешил показать ей каждое новое сочинение. Работая в 1804 году над оперой «Леонора» (окончательное название — «Фиделио»), ей первой играл отрывки, и, возможно, именно Жозефина стала прообразом нежной, гордой, любящей героини («всё — свет, чистота и ясность», — говорил Бетховен). Ее старшая сестра Тереза считала, что Жозефина и Бетховен были созданы друг для друга, и все же брак между ними не состоялся (хотя некоторые исследователи считают, что отцом одной из дочерей Жозефины был Бетховен). С другой стороны, домоправительница Терезы рассказывала о любви композитора к старшей из сестер Брунсвик и даже об их обручении. Во всяком случае, Бетховен признавался: «Когда я думаю о ней, сердце у меня бьется так же сильно, как в тот день, когда я встретил ее впервые». За год до смерти Бетховена видели плачущим над портретом Терезы, который он целовал, повторяя: «Ты была такая прекрасная, такая великая, подобная ангелам!» Тайное обручение, если оно действительно состоялось (что оспаривается многими), приходится как раз на май 1806 года — время работы над Четвертой симфонией.
Премьера ее состоялась в марте следующего, 1807 года, в Вене. Посвящение графу Ф. Опперсдорфу, быть может, явилось благодарностью за предотвращение крупного скандала. Этот случай, в котором в очередной раз сказался взрывной темперамент Бетховена и его обостренное чувство собственного достоинства, произошел осенью 1806 года, когда композитор гостил в поместье князя К. Лихновского. Однажды, почувствовав себя оскорбленным гостями князя, настойчиво требовавшими, чтобы он играл для них, Бетховен наотрез отказался и удалился в свою комнату. Князь вспылил и решил прибегнуть к силе. Как вспоминал об этом несколько десятилетий спустя ученик и друг Бетховена, «не вступись граф Опперсдорф и несколько других лиц, дошло бы до грубой драки, так как Бетховен уже взялся за стул и готов был хватить им по голове князя Лихновского, когда тот взломал дверь в комнату, где заперся Бетховен. К счастью, Опперсдорф бросился между ними…»
Разновидности симфонии
Это интересно:
Классическая симфония – этомузыкальное произведение в сонатной циклической форме, предназначенное для исполнения симфоническим оркестром.
В симфонию (помимо симфонического оркестра) может быть включён хор и вокал. Существуют симфонии-сюиты, симфонии-рапсодии, симфонии-фантазии, симфонии-баллады, симфонии-легенды, симфонии-поэмы, симфонии-реквиемы, симфонии-балеты, симфонии-драмы и театральные симфонии как разновидность оперы.
Симфонический оркестр
В классической симфонии обычно 4 части:
первая часть – в быстром темпе (аллегро), в сонатной форме;
вторая часть – в медленном темпе, обычно в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;
третья часть – скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);
четвёртая часть – в быстром темпе, в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.
Но бывают симфонии и с меньшим (или большим) количеством частей. Существуют и одночастные симфонии.
Программная симфония – это симфония с определенным содержанием, которое изложено в программе или выражено в названии. Если в симфонии присутствует название, тогда данное название и является минимальной программой, например, «Фантастическая симфония» Г. Берлиоза.
Сибелиус – Симфония № 7
Мариус Стравинский, дирижер
Это последнее крупное произведение, созданное Сибелиусом. Он прожил еще 20 лет или около того, но музыка больше не рождалась из-под его пера.
Мариус Стравинский. Фото – paolodalprato.com
Исследователи до сих пор ищут ответ на вопрос почему именно после этой симфонии композитор не написал больше ни одной ноты. Выходя к публике с этой партитурой, я также пытаюсь разгадать эту тайну.
Седьмая симфония необычна по форме и продолжительности: она одночастная и в общей сложности звучит порядка 20 минут. Это еще одна трудность, с которой сталкиваются дирижеры, и которая нуждается в серьезном анализе.
Однако в плане композиторского языка, настроения и образного наполнения в ней – все тот же Сибелиус, чья связь с природой Финляндии неразрывна. Здесь мы вновь встречаем его диссонансы, волновые нарастания, кульминации. Фантастически красивый финал заканчивается в чистом до-мажоре.
Для меня одним из самых убедительных исполнений Седьмой симфонии является версия Лорина Маазеля с Венскими филармониками (выпущена на Decca в 1966 году).
Ян Смбелиус, Симфония №7 до мажор. Венский филармонический оркестр, дирижер Лорин Маазель:
2 часть (As-dur)
II часть – Andante, As-dur, двойные вариации. Эта музыка воспринимается не столько как осмысление прошедших событий, сколько является предчувствием будущего. Многое в ней предвосхищает финал: 2-я, маршеобразная, тема вариаций явно родственна победной теме финала. Об этом говорят призывные гимнические интонации, маршевая чеканная поступь, праздничная звучность C-dur′а (причем новая тональность выделена энгармонической модуляцией изAs-dur). Каждая из двух тем представляет собой вполне самостоятельный образ:
1-я – более спокойная и песенная, содержит лирический элемент;
2-я – фанфарная и маршевая.
В то же время, обе темы настолько связаны друг с другом, что могут рассматриваться как двустороннее проявление единого начала. В процессе варьирования внутреннее родство тем выявляется с полной очевидностью: лирическая первая тема активизируется, преображаясь в марш.
Соната № 9 для скрипки и фортепиано, op. 47, «Крейцерова соната», 1802 год
Произведение изначально было написано в ля миноре, но чаще всего исполняют его в ля мажоре. Соната длится составляет около 40 минут, что для 19 века было очень необычным. Соната №9 была впервые услышана зрителями в 1803 году. Бетховен написал ее для скрипача Джорджа Бриджтауэру, который стал первым исполнителем.
Накануне выступления на венской сцене были готовы только черновики. Скрипачу приходилось подглядывать через плечо дирижера, чтобы увидеть записи на нотных листках, так как часть произведения успели сделать только в одном экзампляре.
В некоторых изданиях написано, что соната посвящена Родольфу Крейцеру. В то время его знали как талантливого скрипача. Есть несколько вариантов объяснения случившегося. Некоторые исследователи считают, что Джордж нанес оскорбление даме, которая была хорошо знакома Бетховену. Композитор после этого решил изменить решение и переписал посвящение. Другие считают, что Урейцер был более известен, поэтому и было принято решение все переиграть, чтобы соната стала более популярной. Настоящую известность творение получило благодаря Льву Толстому. Он написал одноименную повесть ,«Крейцерову сонату».
Главные особенности бетховенского симфонического метода
- Показ образа в единстве противоположных, борющихся друг с другом элементов. Бетховенские темы часто строятся на контрастных мотивах, образующих внутреннее единство. Отсюда их внутренняя конфликтность, которая служит предпосылкой напряженного дальнейшего развития.
- Огромная роль производного контраста. Под производным контрастом понимается такой принцип развития, при котором новый контрастный мотив или тема, является результатом преобразования предыдущего материала. Новое вырастает из старого, которое переходит в собственную противоположность.
- Непрерывность развития и качественных изменений образов. Развитие тем начинается буквально с самого начала их изложения. Так, в 5 симфонии в I части нет ни одного такта собственно экспозиции (за исключением «эпиграфа» – самых первых тактов). Уже на протяжении главной партии начальный мотив разительно преображается – он воспринимается одновременно и как «роковой элемент» (мотив судьбы) и как символ героического сопротивления, то есть противостоящего року начала. Чрезвычайно динамична и тема главной партии «Героической» симфонии, которая также сразу дается в процессе бурного развития. Вот почему при лаконизме бетховенских тем – партии сонатных форм весьма развернуты. Начавшись в экспозиции, процесс развития охватывает не только разработку, но и репризу, и коду, которая превращается как бы во вторую разработку.
- Качественно новое единство сонатно-симфонического цикла, по сравнению с циклами Гайдна и Моцарта. Симфония становится «инструментальной драмой», где каждая часть является необходимым звеном единого музыкально-драматургического «действия». Кульминацией этой «драмы» является финал. Ярчайший образец бетховенской инструментальной драмы – «Героическая» симфония, все части которой связаны общей линией развития, направленной к грандиозной картине всенародного торжества в финале.
Говоря о симфониях Бетховена, следует подчеркнуть его оркестровое новаторство. Из новшеств:
- фактическое формирование медной группы. Хотя трубы по-прежнему играют и записываются вместе с литаврами, функционально они с валторнами начинают трактоваться как единая группа. К ним присоединяются и тромбоны, которых не было в симфоническом оркестре Гайдна и Моцарта. Тромбоны играют в финале 5 симфонии (3 тромбона), в сцене грозы в 6-й (здесь их только 2), а также в некоторых частях 9-й (в скерцо и в молитвенном эпизоде финала, а также в коде).
- уплотнение «среднего яруса» заставляет наращивать вертикаль сверху и снизу. Сверху появляется флейта пикколо (во всех указанных случаях, кроме молитвенного эпизода в финале 9-й), а снизу – контрафагот (в финалах 5 и 9 симфонии). Но в любом случае флейт и фаготов в бетховенском оркестре всегда по две.
Продолжая традиции и поздних симфоний Моцарта, Бетховен усиливает самостоятельность и виртуозность партий почти всех инструментов, включая трубу (знаменитое соло за сценой в увертюрах «Леонора» №2 и №3) и литавры. Партий струнных у него нередко бывает реально 5 (контрабасы отделяются от виолончелей), а иногда и больше (игра divisi). Солировать, исполняя очень яркий материал, могут все деревянные духовые, в том числе фагот, а также валторны (хором, как в трио скерцо 3 симфонии, или отдельно).
C-dur, D-dur, Es-dur («Героическая»), B-dur, c-moll, F-dur («Пасторальная»), A-dur, F-dur, d-moll.
Бетховен предназначал свои симфонии для исполнения в открытых концертах-академиях (они проходили обычно либо перед Рождеством, либо во время Великого поста, когда в театрах были запрещены сценические представления).
Самые знаменитые – «Кориолан», «Эгмонт», «Леонора № 1», «Леонора « 2». «Леонора № 3».
Симфония № 5, ор. 67, 1808 год
Это знаменитое произведение стало невероятно популярным уже в первый год его выпуска. В австрийской столице была проведена его презентация. Там Симфония №5 вызвала очень много эмоций. Ее назвали выдающейся. Эрнст Гофман, композитор посчитал ее одной из самых значимых.
У композиции интересная история. Первые наработки композитор сделал в 1804 году. Но ему пришлось отложить работу. Он одновременно писал несколько произведений, в том числе и сонату №6. Но в это же время у гения начались проблемы со здоровьем. Он терял слух. В стране происходили не самые лучшие изменения, связанные с оккупацией войсками Наполеона. Все это привело к тому, что над сонатой композитор трудился около 4 лет.
Symphony music
Композитор
Феликс Мендельсон-Бартольди
Жанр
симфонические
Страна
Германия
Оркестровая музыка — та область, в которой Мендельсон создал произведения, с полным основанием считающиеся классическими образцами музыкального искусства. Правда, это относится не ко всем сочинениям Мендельсона. Причина ряда творческих неудач Мендельсона (впрочем, не только его одного; в известной мере это относится, например, и к симфонической музыке Шумана) проистекала отчасти от того, что применяемые формы и приемы развития классического симфонизма не всегда соответствовали характеру музыкальных образов, лирическому, по существу, содержанию симфоний. Там же, где Мендельсон в музыкальном воплощении своих замыслов исходил из особенностей своей тематики и художественно-поэтического мышления, он добивался положительных результатов.
Пример тому — его симфонии. Мендельсон написал пять симфоний. Первая, сочиненная в пятнадцатилетнем возрасте — свидетельство раннего владения композиторской техникой. Вторая симфония, «Реформационная», и симфония-кантата «Lobgesang» («Хвалебная песня») написаны «на случай». «Реформационная» симфония (1829—1830) связана с празднованием трехсотлетия реформации; «Хвалебная» относится к 1840 году и посвящена четырехсотлетию со дня изобретения книгопечатания.
«Реформационную» симфонию Мендельсон сам считал неудачным произведением. При жизни композитора она не была издана и вошла в посмертное издание. Симфония-кантата «Хвалебная песня» с хоровым финалом, наподобие Девятой симфонии Бетховена, звучит довольно торжественно и монументально; однако это чисто внешние качества и отнести эту симфонию к значительным музыкальным явлениям нельзя. Другие две симфонии — «Шотландская» и «Итальянская» — принадлежат к лучшим страницам творчества Мендельсона. Их художественный замысел возник на основе богатых и сильных впечатлений от искусства и солнечной природы Италии, романтизированной истории и природы Шотландии. В них произошло то внутреннее слияние конкретного творческого задания с воплощающей его формой, которые определили высокое художественное качество этих произведений.
* * *
Большой интерес представляют в творчестве Мендельсона его программные увертюры.
Увертюра имеет давнюю историю. Развиваясь главным образом внутри музыкально-театральных жанров, увертюра вбирала в себя элементы программности через тематическую или идейно-психологическую связь с оперой или драмой.
Увертюры Глюка, Моцарта, Керубини, в особенности же Бетховена, благодаря художественной завершенности замысла и формы приобрели самостоятельное значение, что привело к практическому использованию их в концертном репертуаре симфонических оркестров.
Однако первоначально увертюры Глюка, Моцарта, Бетховена были задуманы как вступления к опере или драматическому спектаклю. Первая увертюра, созданная как программно-симфоническая концертная пьеса для оркестра — «Сон в летнюю ночь» Мендельсона. Это дает известные основания считать Мендельсона родоначальником нового жанра концертной программной увертюры. Источником программного содержания для такой увертюры может быть и литературное произведение, и личные переживания, впечатления от картин природы или произведений искусства. Большинство увертюр Мендельсона — «Фингалова пещера» (или «Гебриды»), «Морская тишь и счастливое плавание», «Прекрасная Мелузина» — самостоятельные концертные произведения. Увертюры «Рюи Блаз» и «Аталия» написаны к сценическим произведениям В. Гюго и Ж. Расина.
Программная романтическая увертюра унаследовала исторически отстоявшуюся в этом жанре одночастную сонатную форму — наиболее гибкую, способную к сжатой, концентрированной передаче драматической идеи. Одночастная оркестровая увертюра получила большое распространение и сделалась как бы новой разновидностью симфонии. Блестящие ее образцы — в творчестве Берлиоза, Шумана, Глинки, Чайковского. Увертюра подготовила также и новый жанр в музыке XIX века — одночастную программную симфоническую поэму, утвержденную в музыке Листа.
В. Галацкая
Увертюры Мендельсона →
Симфонические произведения:
Симфония c-moll op. 1 (1824)Увертюра «Сон в летнюю ночь» ор. 21 (1826)Увертюра «Морская тишь и счастливое плавание» ор. 27 (1828)Увертюра «Гебриды», ор. 26 (1830—1832)«Реформационная симфония» d-moll op. 107 (1830—1832)Увертюра «Прекрасная Мелузина» ор. 32 (1833)«Итальянская симфония» A-dur op. 90 (1833)«Шотландская симфония» a-moll op. 56 (1830—1842)Увертюра «Рюи Блаз» ор. 95 (1839)
Увертюра к «Аталии» ор. 74 (1843—1844)